viernes, 11 de diciembre de 2009

ENTRE IMÁGENES`, EL NUEVO LIBRO DEL CRÍTICO FRANCÉS RAYMOND BELLOUR: DESAFÍOS DE UNA NUEVA MIRADA. LOS CAMBIOS AUDIOVISUALES DE LOS 90
EL RECONOCIDO CRÍTICO FRANCÉS EXAMINA EN "ENTRE IMÁGENES", CON PASIÓN Y DETALLE, LOS CAMBIOS RADICALES QUE SE SUCEDIERON EN EL MUNDO AUDIOVISUAL DE LOS AÑOS NOVENTA.

Entre imágenes
Por Raymond Bellour
Colihue
TRAD.: Adriana Vettier
360 Páginas

La posibilidad de un cine que ya no se llame cine, ni televisión, ni video, ni siquiera alguna alternativa próxima al mutable net-art. Una nueva economía de la imagen surgida de los intersticios, de las zonas de frontera y mixtura entre todas las opciones anteriores. Un dispositivo aún por crear que probablemente requiera también de un nuevo tipo de espectador, anclado en una inédita circulación y recepción de los discursos audiovisuales. ¿Será posible asistir a tal advenimiento? ¿O quizás algo de esto ya está pasando, pero de modo tan embrionario que aún no hay posibilidad de verlo?
Son estos interrogantes los que, de un modo u otro, atraviesan los artículos reunidos en Entre imágenes. Foto. Cine. Video, libro en el que el reconocido crítico francés Raymond Bellour aborda -e inaugura como concepto-, el "entre-imágenes", instancia casi inapresable, "espacio físico y mental" que reside en cada una de las zonas de pasaje que la dispersión multimediática actual habilita: pasajes entre lo analógico y lo digital, entre lo fílmico y lo televisivo, entre diversos "espesores" de la materia visual, entre dos velocidades, dos fotogramas. Una fisura que, cuando realmente actúa, produce un efecto concreto e inconfundible: el de aportar un plus de significación a la imagen.

No es una escritura complaciente la del autor: exige de sus lectores tanto como del universo audiovisual que analiza. "Un espectador apurado", escribe, al definir al habitual espectador de cine. "Espectador pensativo", reclama y perfila a lo largo de sus textos.
Los artículos que componen Entre imágenes fueron escritos durante toda la década de 1990. Años de aceleración del proceso de fusión entre imágenes de diverso tipo (analógica, digital, electrónica, pictórica, fílmica, fotográfica) y de progresivo interés de Bellour por el fenómeno, tanto en lo que atañe a la producción cinematográfica como a la videocreación y la inserción de lo fílmico en el museo por medio de las videoinstalaciones.

"Enemigos del cine", llama, en primera instancia, a la televisión, la computadora y la institución museográfica. Enemigos de una forma específica de lo cinematográfico, pero posibles vías de advenimiento de una nueva forma audiovisual. "La realidad del ?entre-imágenes? -escribe- es concebible gracias a un doble movimiento: el que lleva al cine y la reflexión sobre él a la pintura; el que acerca la imagen del cine, el video y la foto a la literatura y el lenguaje."

La referencia obligada es Jean-Luc Godard. La obra del cineasta franco-suizo ocupa un lugar privilegiado en los minuciosos análisis a partir de los cuales Bellour extrae la potencia emancipadora del "entre-imágenes". Así, encuentra en Sauve qui peut (la vie), estrenada por Godard en 1980, el "primer verdadero final de la maldición analógica, de la reproducción regulada del movimiento". Para Bellour, este film encarna el pasaje de la ficción cinematográfica a una "escritura-pintura" que, en sus refinados desplazamientos entre fotogramas, planos y alteración de velocidades, alcanza la difícil utopía de permitir "ver" aquello que se oculta tras la percepción habitual. Un chispazo de entendimiento que acecha entre las fisuras del movimiento ralentizado, descompuesto en cascada o casi detenido. En varios de sus análisis el autor se refiere a la entidad de la fotografía en el cine, espacio de "entre-imagen" respecto de dos órdenes de temporalidad: "Las fotos abren otro tiempo: un pasado del pasado. Un tiempo segundo y diferente", explica, destacando que es en esta "detención de la detención" donde un espectador puede llegar a pensar eso que está viendo. De allí que otro de sus referentes sea el teórico y videasta francés Thierry Kuntzel, creador de obras cuya complejidad, poética y libertad expresiva Bellour considera próximas a la simbolización que logra la escritura. "El video nos lleva de nuevo al cine y él a la literatura, con la cual es posible que el video mantenga una relación privilegiada", escribe en el magnífico ensayo que cierra el libro, una indagación sobre la figura del autorretrato que va de Stendhal a Godard, guiada por lo que podría considerarse la postura programática que subyace tras Entre imágenes: "Tomarse su tiempo ante la imagen, robarle su tiempo para ganar en conocimiento, en investigación, en búsqueda de ideas".

Por Diana Fernández Irusta
Fuente: ADN Cultura
Más información: www.lanacion.com

jueves, 3 de diciembre de 2009

Se estrenará para Latinoamérica el documental Objectified

LA CIUDAD TENDRÁ UN FESTIVAL DE

INSPIRACIÓN Y CREATIVIDAD



El próximo sábado 5 de diciembre se realizará en Ciudad Cultural Konex –Sarmiento 3131- la primera edición de Inspiration Fest Buenos Aires, organizada por la revista 90+10, con el apoyo del Ministerio de Desarrollo Económico porteño, a través de su área de Industrias Creativas y Comercio Exterior.



El Inspiration Fest es un nuevo lugar de inspiración para profesionales y estudiantes que trabajan en las distintas ramas de las Industrias Creativas y que ofrecerá un cronograma de actividades entre las que habrá conferencias, áreas de inspiración conjunta, instalaciones, exhibición y proyecciones audiovisuales.



El festival tendrá un espacio dedicado a las industrias de base creativa como diseño, ilustración, fotografía, videojuegos, multimedia y animación, documentales, música de vanguardia y tecnología, con invitados internacionales como Tsutsumi, Julien Vallée, Julius Weidemann, Licktfaktor y Tony Michiels así como destacados disertantes locales, entre ellos Patricio Oliver, Diego Speroni, Picklehouse, Three Melons, Gabriel Matula, José Luis Denari, Sebastián Rodas, Estado Lateral Media Lab, Nahuel Lerena y Dieguez Fridman.



Entre las novedades, Inspiration Fest Buenos Aires será el marco de presentación del estreno latinoamericano de la película documental “Objectified” presentada por el Centro Metropolitano de Diseño y la Revista 90+10.



El documental fue realizado por Gary Hustwit, el mismo que dirigió “Helvética”, y habla sobre la compleja relación entre los objetos manufacturados y sus diseñadores. Una mirada a la creatividad detrás de todo trabajo, desde un simple cepillo de dientes hasta los gadgets de alta tecnología. Por medio de una serie de entrevistas y reflexiones, la película documenta los procesos creativos de algunos de los diseñadores más influyentes del mundo, como Jonathan Ive, Andrew Blauvelt, Marc Newson, y Karim Rashid, analizando cómo su trabajo impacta en nuestra vida diaria. ¿Podemos aprender quiénes somos y quiénes queremos ser, a través de los objetos que nos rodean? Objectified es la segunda parte de la “Design Trilogy”, realizada por Gary Hustwit.

Estreno: 5 de diciembre - 19:45 hs. Con la entrada general se accede a la proyección de Objectified.

Para más información consultar: www.inspirationfest.com

viernes, 27 de noviembre de 2009

ENCUENTRO CON THIERRY FREMAUX, DIRECTOR DEL FESTIVAL DE CANNES:‘CANNES ES UNA MANERA DE PALPAR EL ESTADO DEL MUNDO’ / VENTANA SUR, EN SOCIEDAD CON EL FESTIVAL: UN MERCADO QUE SE PROYECTA AL MUNDO
A DIFERENCIA DE OTROS AÑOS, ESTA VEZ FRÉMAUX NO LLEGÓ SOLAMENTE PARA RELACIONARSE CON EL CINE ARGENTINO, SINO TAMBIÉN PARA PRESENTAR UNA SEMANA DEL CINE EUROPEO E INAUGURAR “VENTANA SUR”, UN EMPRENDIMIENTO CONJUNTO DEL INCAA Y EL MARCHÉ DU FILM, DE CANNES.
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BUENOS AIRES ES LA SEDE DE ESTE NUEVO EVENTO EN EL QUE LA PRODUCCIÓN CINEMATOGRÁFICA LATINOAMERICANA SE OFRECERÁ A CENTENARES DE COMPRADORES INTERNACIONALES.

Aterrizó ayer a primera hora de la mañana y unos minutos después de hacer el check-in en el hotel ya estaba atendiendo a la prensa. Thierry Frémaux es, desde el 2001, el director artístico y general del Festival de Cannes, el más influyente del mundo. Y como tal, no sólo vino a Buenos Aires a interiorizarse del estado de la producción del cine argentino, como otros años. Esta vez su compromiso es más fuerte con el país: llegó para presentar hoy una Semana del Cine Europeo y para inaugurar mañana “Ventana Sur-Negocios de Cine”, el primer mercado del cine de Buenos Aires, “una coproducción”, como él mismo la llama, entre el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de la Argentina (Incaa) y el Marché du Film de Cannes. En la charla con Página/12 no sólo se refiere a “Ventana Sur” (del cual éste diario ofrecerá mañana información más completa) sino también al presente y futuro de Cannes, que es un poco como decir el presente y futuro del cine.
–¿Cómo se perfila Cannes 2010?
–Cada año es muy especial, como la cosecha de un vino. Estamos en noviembre y a esta altura, con seis meses de anticipación, no puedo “escribir” la selección. Tampoco puedo pensar que voy a elegir tal o cual tipo de cine. Yo suelo decir que no soy yo quien elige las películas, sino las películas las que piden que yo las elija. Esa es la magia de Cannes, o de cualquier buen festival. Hasta el último día del proceso de selección no se sabe qué va a pasar, yo personalmente no lo sé. Todo es posible. Por supuesto, tengo determinadas películas en mis pensamientos, pero sé que es una situación muy delicada, muy frágil, y antes de poner un título o un nombre en un papel prefiero esperar a que las películas se confirmen. Es casi una superstición. Yo sé que en este mismo momento hay un montón de directores en el Planeta Tierra que están trabajando con la meta puesta en Cannes: son películas que vamos a ver en febrero, marzo, a lo sumo abril. Son ellos los que hacen el cine mundial de cada año. Por supuesto, yo tengo una influencia, una responsabilidad, porque la elección final es mía. Pero mi trabajo es estar muy atento y muy abierto.
–En Cannes de mayo pasado impactó, entre otras, Independencia, del filipino Raya Martin. ¿El festival se abre a nuevos nombres?
–No conocía a este director, porque es muy joven, tiene apenas 25 años. Pero veo la película y la reconozco dentro de esta nueva generación del cine de su país, un movimiento fantástico que se está dando en Filipinas. Elegir esa película para Cannes es una manera de “escuchar”, de entender, de abrirse al movimiento y al estado, al “ruido” del mundo. Es que la selección de Cannes siempre es un viaje: un viaje a través del cine y a través del mundo. El próximo viaje recién está empezando, vamos a ver si la selección del 2010 estará a la altura. Pero ahora que el 2009 está terminando, podemos decir con orgullo que las películas más importantes de este año se estrenaron en Cannes. Es nuestro deber. Y el deber es también ser muy humildes y muy democráticos: hay directores muy conocidos, otros que recién empiezan, pero antes del proceso de selección todas las películas, para nosotros, nacen libres e iguales. Voy a ver unas 1500 películas, para elegir finalmente 50, de las cuales solamente 20 participarán de la competencia oficial. Claro, hay gente que me dice, “para qué vas a ver 1500 películas si al final vamos a tener Lars Von Trier, Pedro Almodóvar, los hermanos Coen...” Sí, seguro, pero es que los grandes autores por algo lo son, y no queremos prescindir de ellos, son quienes siguen haciendo las mejores películas. En fútbol, Lionel Messi es uno de los grandes, ¿por qué no habría de incluirlo en mi equipo? Pero también nuestra misión es descubrir y poner arriba de la mesa no sólo los grandes directores, sino también a los nuevos, o los nuevos movimientos, a los que tenemos que acompañar.
–¿La juventud importa?
–Me gustaría aquí lanzar una pequeña ironía: las dos películas más jóvenes de la selección 2009 fueron Les Herbes folles, de Alain Resnais, que tiene 87 años, e Iréne, de Alain Cavalier, que ronda los 80. Aquí hay que volver a recordar que Cannes no es una competencia deportiva y que la juventud de una obra de arte o de un director no es la del cuerpo o de la edad, sino la de la imaginación.
–Usted está a punto de cumplir diez años al frente de la dirección de Cannes. A la manera de un balance, ¿qué le parece que respetó de la tradición del festival y cuáles fueron sus aportes y novedades?
–Lo primero que respeté de la tradición de Cannes, con la cual estoy completamente de acuerdo, es que lo más importante del festival son siempre las películas, el cine. Cannes es muchas cosas al mismo tiempo: una feria de vanidades, un acontecimiento mediático... Pero si en Cannes alguien no ve dos, tres, cuatro películas por día, no existe, no tiene de qué hablar. Desde el desayuno hasta el último whisky a las tres de la madrugada, en Cannes sólo se habla y se discute de cine. Esta es la herencia que asumí de Gilles Jacob. En cuanto a mis aportes, puedo decir que me preocupé por incorporar el documental, la animación, el cine de género a la competencia oficial, bajo la idea de que no hay un solo tipo de cine sino muchos. Estuve en Bombay la semana pasada y la concepción que tienen allí del cine es muy diferente de la Occidental. Y Cannes no es solamente el cine europeo y el norteamericano. Cannes es un patrimonio mundial. Y hay que protegerlo. Y pensar cuál es el modelo a seguir, que nosotros creemos que es mundial. Los cines nacionales se van a articular en un modelo mundial. Hay que mirar en otras direcciones, hay que llamar la atención sobre cinematografías no tan conocidas globalmente, como las de México, Corea del Sur, China, Rumania, Israel, que hemos reflejado en nuestras últimas ediciones. Y Cannes es el testigo de la emergencia de estas cinematografías y eso es muy importante para mí.
–¿Y el cine argentino?
–Lo veo muy bien, porque a diferencia de otros cines, que apenas sobreviven, el argentino es un cine que está muy vivo, muy conectado con su gente, con su historia, pero también con el cine mundial. Es un cine lleno de promesas, del cual siempre estamos esperando algo nuevo. Es además un cine muy diverso, que se lo puede pensar en tres grandes bloques: están los autores, como Lucrecia Martel y Lisandro Alonso; hay también un camino intermedio, como el que recorren Pablo Trapero, Adrián Caetano (a quienes hemos sumado a la competencia oficial) y Fabián Bielinsky, lamentablemente fallecido tan joven (podíamos esperar mucho de él), y el tercer bloque es el cine popular. Y a mí me encantaría tener una comedia popular argentina en Cannes. Me encantaría tener comedias en Cannes... Pero es un género muy difícil. Al margen, hay un cineasta que yo considero uno de los padres del cine argentino, que es Pino Solanas. En Lyon, en el Instituto Lumière y en la Escuela Normal Superior, doy cursos de cine y mi curso sobre el documental incluye grandes nombres, como el de Solanas, que abrió un camino único y muy especial en este campo. Esa continuidad y esa diversidad del cine argentino es la que me llama la atención.

Por Luciano Monteagudo
Fuente: Página 12

lunes, 16 de noviembre de 2009

Especial para haciendocine.com*
BACF, UN FACILITADOR PARA LA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA
En esta entrevista Ana Aizenberg, Coordinadora BACF (Buenos Aires Comisión de Filmaciones); Eduardo Macchiarelli, Coordinador Opción Audiovisual y Lara Decuzzi Coordinadora BAset (Buenos Aires set) dan mayores detalles sobre el funcionamiento de estas instituciones.

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¿Los productores extranjeros que filman en la Ciudad de Buenos Aires tienen sólo contacto con el BACF o también deben realizar trámites en el BASET?
El lanzamiento de la BACF se hizo en junio de este año, dedicado a fomentar la realización de producciones audiovisuales de alto nivel en la Ciudad de Buenos Aires, en lo que va del 2009 ya han pasado unos siete u ocho proyectos por la BACF. Hoy en día, los productores extranjeros no saben de la existencia de una Film Commission en la Ciudad de Buenos Aires, es por ello que mediante diversas gestiones estamos haciendo visible nuestra presencia. El objetivo es capacitar de manera profesional en lo que se refiere a las tendencias y herramientas que existen para competir en la industria audiovisual mundial. Aquellos productores extranjeros que no se asocien con ninguna productora local, pueden realizar trámites en BAset pero es bastante más sencillo y prolijo que trabajen con productoras locales. Ana Aizenberg.

¿A diferencia del año pasado, cuál es la reducción del tiempo para la gestión de los trámites y permisos para las filmaciones en vía pública?
La diferencia recae fundamentalmente en la modalidad de la gestión, ya que se realizará todo el trámite de manera on line, ingresando a un sistema y enviando la solicitud de manera digital. Así como recibirán la factura de la misma manera para poder abonarla en cualquier sucursal del Banco Ciudad en vez de poder hacerlo solamente en las cajas de Tesorería de GCBA. Los tiempos finales del trámite se reducen a dos (2) días para las habilitaciones en vez de quince (15) y de cuatro (4) días a cinco (5), aunque ya está previsto luego de la puesta en práctica completa reducirlos aún más. Lara Decuzzi

¿Tanto el mercado local como internacional presentan los mismos procedimientos a la hora de solicitar los permisos para la filmación? ¿Se tiene algún criterio de prioridad para otorgarlos?
La diferenciación en los permisos se hace en base al tipo de proyecto, no de producción. Los largometrajes, cortometrajes y documentales tienen más tiempo para ingresar solicitudes y tienen una tarifa diferenciada. Los cortometrajes y documentales pagan sólo un sellado de trece pesos ($13) y los largometrajes entre el cinco por ciento (5%) y el quince por ciento (15%) como máximo. Las publicidades están diferenciadas por la cantidad de personal en el set (más o menos de sesenta personas en el set), y lo mismo ocurre con los proyectos televisivos que pagan el cincuenta por ciento (50 %) de la Ley Tarifaria que rige sobre la Ciudad de Buenos Aires. Lara Decuzzi

¿Opción audiovisual brinda apoyo referente a la gestión o al financiamiento de proyectos?
Se apoya y se financia a la empresa y no al proyecto. Estamos diseñando un plan de asistencia técnica personalizada, especializada en herramientas de Gestión: plan de negocios, management, marketing, etc. para las empresas ya constituidas. Ese será también el tema medular de los seminarios 2010, en formato workshop, para las empresas en vías de constituirse. Sabemos que esta es “LA” gran carencia de formación de las Pymes y MiPymes audiovisuales.
Subsidios: en 2010 se lanzarán subsidios destinados a la industria Audiovisual, siempre apuntando al desarrollo de la empresa. Eduardo Macchiarelli.

¿Qué comprende el proceso de internacionalización exactamente para los productos audiovisuales de las MiPymes y Pymes?
El proceso de internacionalización es de las empresas y no de sus productos. Puntualmente consta de apoyo económico e institucional en las principales ferias de TV, Cine y Publicidad, conjuntamente con Cancillería. Como somos Dirección General de Industrias Creativas y Comercio Exterior, accionamos en conjunto con otros programas de Comercio Exterior enfocados en el proceso de internacionalización, como búsqueda de nuevos mercados, etc. O un programa que apoya económicamente a consorcios de exportación audiovisual, en misiones comerciales. También se realizarán “rondas de negocios inversas” que es una modalidad donde se invita a la ciudad a importantes empresas de un determinado sector, de animación por ejemplo, y se los cruza con empresas locales del mismo sector. Eduardo Macchiarelli.
http://bacf.mdebuenosaires.gov.ar

*Ampliación de la nota sobre el BACF (Buenos Aires Comisión de Filmaciones) aparecida en la versión impresa de HC del mes de noviembre de 2009.

martes, 3 de noviembre de 2009

martes, 27 de octubre de 2009

Capital intenta recuperar el negocio del cine y la publicidad en un nuevo distrito

EL AÑO PASADO SE PIDIERON 7.400 PERMISOS PARA FILMAR QUE ESTE AÑO BAJARON A 2077
Capital intenta recuperar el negocio del cine y la publicidad en un nuevo distrito
El cine, la tv y la publicidad no pagarán Ingresos Brutos en algunos barrios. Se ofrecerán paquetes de servicios para reducir costos a los productores
MARIANO GORODISCH Buenos Aires ()
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03:00
Buenos Aires busca mantener una industria que creció considerablemente en los últimos años pero que decreció en los últimos meses. Se intentará que películas, programas de televisión, publicidades y otras obras audiovisuales se sigan produciendo, filmando y grabando en la ciudad a través de beneficios impositivos. “La fuerte inflación, no reflejada por algunos índices, provocó un encarecimiento de los costos, mientras Uruguay generó condiciones para convertirse en un país más competitivo”, admitió a El Cronista Francisco Cabrera, ministro de Desarrollo Económico.

Según el funcionario porteño, los precios de los servicios como catering y hotelería -a valores internacionales- desalientan el crecimiento. Las cifras hablan por sí solas: durante el 2008 Buenos Aires Set de Filmación recibió más de 7.400 permisos en la ciudad, mientras que en los últimos diez meses el número apenas alcanza los 2077. Ante esto, uno de los objetivos propuestos por el gobierno es comenzar a negociar paquetes cerrados donde se incluya el costo del pasaje, del hotel y del catering, de modo que Buenos Aires vuelva a ser competitiva para filmar, ya que cuenta con la ventaja de tener recursos humanos talentosos y creativos. Pero lo cierto es que muchas productoras se fueron a filmar comerciales a Uruguay y a Sudáfrica debido a la burocracia porteña. Por eso, hace 15 días, el gobierno lanzó una iniciativa de desburocratización: si un permiso demora más de 72 horas en ser aprobado y no hay una respuesta, la solicitud queda automáticamente convalidada.

Por otra parte, el Ministerio de Desarrollo Económico porteño está armando un proyecto de ley para la creación de un Distrito Audiovisual en Buenos Aires, que se presentará en la Legislatura antes de fin de año, para ser tratado en marzo. Esto implica declarar como industria a todas las actividades de la cadena de valor del sector audiovisual, un viejo pedido que viene reclamando desde hace años el sector.

El formato será similar al del Distrito Tecnológico, y abarcaría parte de Palermo, Chacarita, Colegiales, Villa Ortúzar y Paternal. Durante el primer año la inversión privada ascenderá a unos $ 300 millones, la tercera parte de los cuales será para hacer el Centro Metropolitano Audiovisual en el actual Mercado de Dorrego. “Será una inversión público-privada, donde nosotros cedemos el terreno y estamos viendo con algunas de las cámaras del sector para que instalen allí un set de filmación, salas de proyección, y que nos dejen oficinas para alojar a la Comisión de Filmaciones de Buenos Aires y a Buenos Aires Set de Filmación”, adelantó Cabrera.

En total, durante los primeros diez años se proyecta una inversión directa del sector de unos $ 1.500 millones, sustentada principalmente en refacciones, construcciones nuevas de estudios de filmación y oficinas de productoras. Se proyecta para el año 2020 llegar a 550 empresas instaladas en el Distrito Audiovisual frente a la actual previsión de solo 220 empresas.

El Distrito Audiovisual contará con beneficios impositivos tanto para las empresas que ya estén instaladas, como las que decidan radicarse allí, al quedar exentas del pago de Ingresos Brutos.

“Queremos apoyar a las productoras internacionales para que tengan acuerdos con hoteles, líneas aéreas y servicios de catering”, informó Cabrera.

El ministro afirma que se intentará incrementar la presencia de restaurantes, casas de moda y de diseño. Otro de los proyectos consiste en hacer una plaza temática con los nombres de actores argentinos.

lunes, 26 de octubre de 2009

SE ESTRENÓ LA SERIE `EMBARCADOS`, CON LUIS ZIEMBROWSKI, COMO `EL CRUCERO DEL AMOR`, PERO SÓLO PARA VER EN INTERNET
GRABADA EN UN CRUCERO, CON LOS PASAJEROS COMO EXTRAS, LA NUEVA FICCIÓN PARA INTERNET PARECE FORTALECER UNA TENDENCIA QUE YA OFRECE DISTINTOS GÉNEROS Y GANA ESPECTADORES.

Se estrenó el segundo capítulo de”Embarcados”, una nueva ficción protagonizada por Luis Ziembrowski. Buena excusa para echar un vistazo a eso que se cuece fuera de la caja boba porque, atención, no hace falta manotear desesperados el control remoto, fatigar el zapping ni agendarse programaciones. Es que esta propuesta nació para plasmarse en un formato cada vez más redituable, cada vez más incursionado: Internet, la nueva vedette audiovisual. El lugar hacia el que los empresarios mediáticos de hoy apuntan sus cañones. Este reciente estreno, sumado a “El vagoneta”, “Plan V” o la próxima “Buscando a no sé quién” son una muestra de que la tendencia está en pleno crecimiento. Embarcados puede verse en www.embarcadoslaserie.com (la página incluye un concurso gratuito en el que los visitantes podrán ganarse un viaje en barco como el de los protagonistas).

Santiago De Bianchetti es el creador de la productora Mancha y guionista de la serie que trascurre a bordo de un crucero con rumbo a Brasil y que sigue las peripecias de la familia Musso, ganadores por un sorteo de este trip vacacional. Está integrada por Roberto (Ziembrowski), su mujer Graciela (Vanesa Weinberg ) y sus dos hijos de 20 y 18 años. Su aventura sucede en 10 capítulos de siete minutos de duración cada uno, grabados en alta definición. “Producir para tele es más caro y además hay que conseguir un buen canal –explica De Bianchetti–. Son muchas concesiones para alguien que recién empieza. En Internet tenés menos obligaciones y limitaciones”.

Con él coincide su colega Lorena Romanin, creadora y actriz de Plan V (www.planvlaserie.com.ar), la serie de temática lésbica que es furor en el mundo 2.0. “En internet se pueden manejar los tiempos –opina–. Escribir un guión, comenzar a rodarlo y que recién después se someta a aprobación es desgastante. Es mucho más democrático de esta manera”.

Pero la estrella local de este tipo de formatos es El vagoneta (www.vxv.com/canal/ElVagoneta), la historia de cuatro amigos que quieren vivir de la instalación de un cartel en la terraza de uno de ellos. “La idea era llevar un producto tradicional en su concepción a un formato no tradicional –asegura Pichi Villanueva, su creador –. El pensamiento para elaborarlo es distinto; es un formato para entretener 5 o 7 minutos, lo que una persona aguanta frente a un monitor. Por la diversidad de contenidos que circulan en la web, si te siento 40 minutos cambiás para ver otra cosa”.

LA PIONERA. Tanto El vagoneta como Plan V tuvieron un éxito que superó lo imaginado por sus creadores. “El vagoneta fue más allá de las expectativas: es la serie web más vista de Latinoamérica, con casi 3.200 comentarios”, asegura Villanueva. Y agrega: “Después de la repercusión del vagoneta, estaba claro que otra gente iba a seguir el mismo camino –dice–. Eso es muy positivo para la industria, pero también nos obliga a pensar nuevos proyectos superadores y a responder a nuestros anunciantes”.

LA INDEPENDIENTE. Romanin, de Plan V, confiesa que los fans de la historia la reconocen por la calle al mejor estilo Carrie Bradshaw y certifica que recibieron 300 mil visitas a la página. Además, el público también colabora para la realización de la segunda parte de la serie a través de donaciones y fiestas. “Estamos en pleno rodaje de la segunda temporada y juntamos plata a través de fiestas, o desde la página, donde hay un botón para colaborar. Por lo general, la gente es muy copada con los proyectos independientes”, dice.

VACACIONES EN EL MAR. Volviendo a Embarcados, la recién llegada, el realizador De Bianchetti toma distancia de sus predecesores. “A las otras ficciones, si las pasás en la tele, pueden funcionar como micros, y hasta con éxito. Embarcados no, porque te perderías partes. Eso sí, somos todos pioneros en esto de investigar sobre este nuevo formato”.

Lorena Romanin acepta que le gustaría llevar su proyecto a la pantalla convencional y que incluso está en conversaciones con Dori Media para evaluar esta posibilidad en un futuro. “Estamos haciendo capítulos de 22 minutos como para ponerlo al aire –informa–. Es impresionante cómo crecen estas cosas”.

Otra característica común entre las series ha sido la participación de famosos en la grabación. Por El vagoneta pasaron Pocho La Pantera, el Puma Gabriel Goity, Ernestina Pais y el futbolista Fernando Gago. “Trabajamos sobre el concepto de la amistad –explica su creador–. La presencia de famosos tiene que ver con que en todos los grupos de amigos siempre hay uno que busca parentescos, entonces jugamos a que cuando se dijera: ¿no se parece a…?, sea el famoso quien aparezca. Tuvo una repercusión alucinante”.

En Buscando a no sé quién (que aún se encuentra en rodaje) participaron entre otros Matías Alé e Iván González. En Plan V estuvo Mariana Otero, en el papel de una remisera enamorada de la protagonista. Embarcados tiene como actor protagonista y cara más visible a Luis Ziembrowski. Él es Roberto Musso en la tira, y dice: “No cambia nada trabajar para internet o para la tele. Lo que sí está bueno es aprovechar un nuevo camino, una posibilidad laboral. Cuando trabajo, lo que me interesa es la materia, no el soporte”.

La expectativa de su productor es que la serie sea visitada por un millón de usuarios a través de la página de MSN, con la cual sellaron un acuerdo para subir el material. “Fuimos 22 personas durante 12 días, embarcadas en un crucero. Los 3.200 pasajeros se convirtieron en extras. Esperamos que sea un éxito porque apostamos a la calidad. Que sea para internet no implica que tenga que ser berreta”, dice De Bianchetti.

Ziembrowski reconoce que tiene pocas horas de computadora encima. Pero también tiene un augurio. “La tecnología es una especie de carrera armamentística en la que estoy muy atrasado. Mi hijo de 15 años sabe más que yo. Lo que pasa es que todavía tengo muchos libros para leer en mi biblioteca. De todas formas, ojalá le vaya bien a la serie, así hacemos una segunda parte y conozco, de paso, algunas playas”.

Por Mauro Fulco
Fuente: diario "Crítica"
Más información: www.critica.com.ar

CINE. `LA 21, BARRACAS`. JÓVENES DE LA VILLA 21 ACTUARON EN UNA PELÍCULA CON ARMAS REALES. PARA LOS PROTAGONISTAS, EL FILM LES CAMBIÓ LA VIDA, PERO RECONOCEN QUE EL PACO ES EL PRINCIPAL PROBLEMA
LOS ROLES FUERON INTEPRETADOS POR HABITANTES DEL ASENTAMIENTO, ALGUNOS DE LOS CUALES HASTA PUSIERON SUS PROPIAS ARMAS PARA LAS ESCENAS DE VIOLENCIA.

En la villa 21 de Barracas, las luces, los trípodes y las filmadoras se mezclaban con la basura, el hacinamiento y los pibes tirados en alguna esquina por los efectos devastadores del paco.

En un mes se estrenará "La 21, Barracas", un film del director Víctor Ramos, cuyo guión, realización, producción y actuación estuvo a cargo de los mismos habitantes del asentamiento más grande de la Ciudad. Actuaron más de 200 personas, y todos colaboraron en construir la historia, además de utilizar sus propias armas para las escenas más violentas, según contó Ramos.

Aunque se trata de una ficción, la realidad desborda en cada toma. El argumento trata del enfrentamiento entre dos bandas divididas por la desaparición de una mujer en el barrio, y cómo intentan resolver el misterio mediante sus propias reglas dentro de la lógica de control territorial. La trama está inspirada en la lucha real de pandillas en la década del 90, cuando había menos habitantes y las bandas de entonces reclutaban gente: La Ranchada, la banda de los Chilenos, Tierra Amarilla, Los Ranqueles, Caño Roto y Los del Asfalto. El enfrentamiento duró casi cinco años y dejó decenas de muertos.

Algunos de los protagonistas del film recuerdan todavía esos días de furia del que formaron parte. Pero la película también muestra la ausencia del Estado y de las instituciones en un lugar que es “tierra de nadie” y donde la justicia se aplica “por mano propia”.

“Es una pincelada de la vida cotidiana, del abandono que existe en la villa y cómo se sobrevive día a día sin ninguna política de acción. También están presentes los valores culturales en la sociedad villera, la ruptura de los prejuicios y la posibilidad de una integración social que ya no se puede dilatar mas”, contó a PERFIL Ramos.

Ciudad de Dios. Los “actores”, son los mismos jóvenes de Barracas, los que viven la violencia cotidiana de la exclusión y la discriminación, tal como ellos definen. A raíz de la realización del film la vida de muchos cambió drásticamente: dejaron las drogas, se engancharon con la producción y algunos hasta estudian teatro o cine, que luego enseñan a los más chicos. También armaron el primer cine en una villa de emergencia donde ofrecen talleres de fotografía y periodismo.

Julio Zarza, de 30 años, es uno de los protagonistas principales de la película y no duda en contar cómo el trabajo en grupo le cambió la vida. “Empecé un tratamiento de desintoxicación y de a poco me fui recuperando.
Creo que todo salió bien porque vivir acá es como estar en un escenario, te da un potencial enorme, siempre te la tenés que estar rebuscando.
Cerca, Luis Duarte, otro de los actores le dice a Julio: “Sos el nuevo Pablo Echarri”, y estallan en risas. Más serio, cuenta: “Ahora en el barrio todos me saludan, nos divertimos mucho haciendo el guión, cada uno trató de aportar detalles de su vida. Porque, aunque es una ficción, en la villa se vive así”.

Cristian se encargó de la letra y música estilo hip hop, reggaeton de las canciones que anticipan cada escena del film, y además integró una de las bandas de la ficción. “No llores, no ruegues, no implores, los códigos están y los códigos se cumplen” es el lema que impera.

Ellos viven la inseguridad como un campo de batalla cotidiano en el que son marcados como peligrosos. La única solución que encuentran y que repiten al unísono es urbanizar el asentamiento. “Las empresas no cumplen los contratos, se corta la luz, que pagamos, y ahí queda, por meses. No quiere entrar ni una ambulancia. A nosotros nos ofende lo que vemos en los medios, porque acá hay mucha gente de trabajo, que vive dignamente”, se queja Nidia Zarza, estudiante de derecho.

Por Brenda Focas
Fuente: Perfil
Más información: www.perfil.com

Lejos del boom, la filmación de publicidad cae más de 30%

SUDAFRICA, EL ESTE EUROPEO Y URUGUAY LE QUITAN MERCADO A LA ARGENTINA
Lejos del boom, la filmación de publicidad cae más de 30%
Influyen la crisis, la suba de costos en dólares y la falta de políticas.
Con algún retoque mínimo, la zona de Catalinas puede pasar por Nueva York o Los Angeles. Y si se cambian las patentes de los autos, la Avenida de Mayo "da" Madrid, París o Budapest. La variedad de escenarios porteños, sumada al prestigio ganado por la publicidad argentina en el mundo en los últimos años y a un dólar atrasado sirvieron para que en la pos crisis el país viviera un boom de filmación de comerciales. Pero este fenómeno se resintió en forma severa en 2009. Las productoras y las agencias le echan la culpa a la crisis global, a la suba de los costos en dólares y a la falta de una política de largo plazo para el sector.

2006 fue el mejor año para la filmación de comerciales: en total, se terminaron 553 spots, según las estadísticas de la Dirección de Industrias Creativas del Gobierno de la Ciudad. Al año siguiente hubo 499; en 2008, 488 y este año, con datos a julio, sólo 173. La proyección de los publicitarios para todo 2009 habla de un descenso de al menos un 30%.

Para Martín Bär, presidente de la agencia MIX. "es evidente que este año se filmó menos que el pasado, estimo una caída del 35% promedio, fruto de la fuerte baja de la actividad local sumada al susto mundial". La plaza argentina también comenzó a ser desafiada por otros centros de producción, como Sudáfrica, el este europeo o, agrega Bär "si hablamos de estas tierras, Uruguay capitalizó una vez más el alto costo local más las típicas trabas argentinas".

Pablo Poncini, presidente de la agencia Draftfcb Argentina, coincide: "Surgieron otros mercados que empezaron a competirle a la Argentina en costos y en calidad. Ya no somos tan convenientes como hace un par de años".

Y si la cantidad de rodajes no cayó más fue porque "la crisis pegó más en los clientes más pequeños, que no hacen TV", explica Poncini desde las oficinas de Draft, en el Bajo Belgrano.

En 2007 y 2008, por su excelente performance en los festivales internacionales, la Argentina llegó a ocupar el tercer lugar en los rankings de creatividad global. Pero en 2009, con menos inscripciones de piezas por la crisis, se prevé una caída fuerte. En Cannes, el certamen más prestigioso del mundo en la publicidad, la Argentina quedó en un lejano puesto 15.

"Nuestras mamás y tías supieron que la Argentina se había convertido en una importante plaza de rodaje de comerciales gracias a que de repente empezaron a ver con mucha frecuencia unos camiones de mediano porte, con sus propios generadores de electricidad, estacionados en diversas zonas de Capital Federal y GBA", cuenta Pedro Saleh, director de la productora Sake, "pero ahora ese recurso visual para explicarle a nuestros familiares lo que hacemos casi desapareció".

Saleh agrega otras causas para el desinfle de la industria audiovisual publicitaria: "Los gremios, la falta de reglas, la falta de políticas nacionales, de regulaciones y los propios protagonistas del sector somos los responsables de este devenir". Y concluye: "Se ha logrado que esto sea una moda voraz y no un negocio sustentable en el largo plazo".


lunes, 19 de octubre de 2009

Filmar en la Ciudad de Buenos Aires.


set porteño
Crearán un “distrito audiovisual” con beneficios económicos a las productoras
Abarcará las zonas de Palermo y Colegiales, donde ya hay varias empresas instaladas, y se extenderá a parte de Chacarita, La Paternal y Villa Ortúzar. La idea es fomentar la actividad, que representa el 2% de los ingresos totales de la Ciudad. El ministro de Desarrollo económico, Francisco Cabrera, explicó que la idea es unificar a las empresas en una zona, potenciar su desarrollo y generar inversiones. En 2008 se pidieron 7.500 permisos para filmar en espacios públicos.
Por Euridice Ferrara

Una industria en auge. Muchas producciones internacionales llegan a la Ciudad por su variada arquitectura y estilo, y por los bajos costos de las locaciones.
El gobierno porteño prepara un ambicioso proyecto que promete atraer beneficios económicos y abrir el espacio a la creatividad: se trata de una Ley que creará un Distrito Audiovisual. “Queremos que el mundo vea a Buenos Aires como un set de filmación del tamaño de una Ciudad”, dijo en exclusiva a PERFIL el ministro de Desarrollo Económico, Francisco Cabrera.

El formato será similar al Distrito Tecnológico que ya pusieron en marcha en Parque Patricios. Aunque aún no están todos los detalles del proyecto, Cabrera aseguró que “todas las empresas del sector que estén radicadas en el Distrito Audiovisual contarán con beneficios impositivos”. En base a lo que adelantaron, el Distrito Audiovisual abarcará las zonas donde actualmente están instaladas la mayor parte de las productoras, Palermo y Colegiales, y se extenderá hasta Chacarita, La Paternal y Villa Ortuzar.

“El objetivo es que se emplaze toda la cadena de valor de la industria audiovisual, es decir, desde productoras hasta proveedores de servicios para la industria”, admitieron. Los datos oficiales hablan de una industria en auge. El sector audiovisual genera el 2% de la producción total en la Ciudad y emplea a 63 mil personas aproximadamente. El año pasado se solicitaron un total de 7.448 permisos al Buenos Aires Set para la utilización de espacios públicos y locaciones de la Ciudad para todos los rubros. Para este año, totalizan 2.077 solicitudes hasta el mes de junio, pero en el segundo semestre se multiplican. “Es uno de los sectores estratégicos de gran impacto en el desarrollo económico porteño. En términos de exportación, es la segunda industria de la Ciudad, ya que entre 2002 y 2009 tuvo un crecimiento superior al 150 % y la Argentina ocupa el cuatro lugar en el mundo entre los países productores y exportadores de formatos”, dijo Cabrera.

Las zonas más requeridas de la Ciudad son el microcentro, el Bajo, la Avenida Corrientes, el barrio de San Telmo (para películas), algunas zonas de Palermo, Puerto Madero y Costanera Sur. En general, el criterio de selección de las locaciones depende del tipo de proyecto y de las necesidades que estos generen.

“En el caso de la publicidad valoran la diversidad de estilos arquitectónicos y la accesibilidad. Gracias a la experiencia de rodajes anteriores, ya saben adonde estacionar, cortar, armar el catering y dónde los vecinos tienen más o menos resistencia a las filmaciones”, informan desde Buenos Aires Set. “Para reconstruir España en diferentes épocas (la guerra civil, por ejemplo) se utilizaron locaciones como San Telmo, Barracas y algunos tramos de Avenida de Mayo. Para las producciones de televisión, como son locaciones que se utilizan por más tiempo (sobre todo las tiras diarias), se eligen zonas más bien barriales”, explican en el BA Set.

Sigue

Cuánto cuesta rodar en Baires

La Ley tarifaria establece lo que el área de Desarrollo Económico percibe por la ocupación y uso de la vía pública. Para filmaciones, $13 por cualquier trámite en la oficina del BA Set, $ 127 mensual, $316 semestral y $633 anual para la solicitud de permiso de filmación en la vía pública. El corte de calle por cuadra o por bocacalle, por ejemplo, cuesta entre $130 y $1.000 por jornada (12 horas corridas), según sea de día o de noche, y en caso de tratarse de avenidas, las tarifas se incrementan al doble.

El uso de espacios verdes cuesta $1.518 por jornada. Se establece, también, que a las producciones de comerciales que superen las 60 personas se les aplica el 100% al igual que a las televisivas, y a las que tengan menos de 60, solo el 50%. A los largometrajes que no cuenten con el certificado de preclasificación del INCAA se les aplica el 15% y los que sí lo tienen solo el 5%.

Pelis en Argentina.



Discreto debut de Almodóvar con "Los abrazos rotos" en Argentina

"Pe", en "Los abrazos..."

El estreno en el continente americano de la última película de Pedro Almodóvar, el pasado fin de semana en la Argentina, se saldó con un discreto quinto puesto en taquilla. "Los abrazos rotos" convocaron en sus primeras jornadas de proyecciones a algo menos de 35.000 espectadores, lejos de los 120.000 obtenidos por la imparable número uno después de dos meses, "El secreto de sus ojos", de Juan José Campanella.

La película española escrita y dirigida por el manchego había sido recibida positivamente por la crítica argentina. En La Nación, Diego Batlle la calificó de "Muy buena" y escribió: "A medida que avanza su carrera (hace una semana cumplió 60 años y ya lleva 17 largometrajes realizados), Pedro Almodóvar apuesta por un cine cada vez más complejo y lleno de riesgos. Algunos podrán añorar el desparpajo y el espíritu contestatario de sus primeros films de la década del 80, pero siempre resulta estimulante que un director ya consagrado renueve en cada película su apuesta por la experimentación y se exponga al explorar nuevos territorios estéticos, temáticos y formales".

Por su parte, Diego Lerer en Clarín le concedió la misma clasificación (Muy buena) y comentó: "Es la reflexión de un hombre que ha llegado a los 60 años y que, ya sin necesidad de escandalizar ni de estar a la moda, se permite mirar hacia atrás con una mezcla rara de sensaciones, en una autocelebración que es también una fuerte autocrítica y, acaso, el final de un ciclo".

Como se ha hecho tradicional en el planteamiento de distribución de las últimas cintas del cineasta manchego, arrancaba su andadura el melodrama romántico que protagonizaron Penélope Cruz, Lluis Homar y José Luis Gómez el pasado marzo en España, para proseguir en los meses siguientes -tras el lanzamiento internacional en Cannes- por Europa (primavera-verano), ahora en América del Sur y del Norte y finalmente el año próximo en Oriente.

A Estados Unidos no llegará "Los abrazos rotos" hasta noviembre, tras participar este mes en los festivales de Nueva York y el Latino de Los Angeles, donde quieren entregar a Almodóvar el máximo galardón-homenaje pero el cineasta aún no ha confirmado su presencia.

Los dos mercados más importantes de América Latina, México y Brasil, recibirán el último trabajo del ganador del Oscar -respectivamente- el 13 y el 20 de noviembre.

© abc guionistas

06/10/2009 20:53:11

La lucha de los guionistas.

Aquí les acercamos el Manifiesto de la Federación de Guionistas de Europa. Un debate interesante para conocer.


Convocatoria mundial de apoyo en defensa de los guionistas

La FSE (Fédération des Scénaristes d’Europe - Federation of Scriptwriters in Europe - Federación Europea de Guionistas) ha elaborado un Manifiesto sobre los derechos de los guionistas en Europa.

Tu apoyo a este manifiesto, aunque no hayas nacido en Europa, es muy importante para toda la comunidad de guionistas, ya que este llamamiento puede, pronto, hacerse extensible a otras partes del mundo.

Guionistas como Guillermo Arriaga (ver más abajo y guionista de 21 gramos, Babel, etc.) ya lo han apoyado sin reservas:

"From Mexico I totally agree with the Manifesto. Let's make it international. We must make clear that we are the authors of the films, especially when it is an original screenplay. I will go to wherever it is needed in this cause. Today I was nominated for best screenplay in the Golden Globes. I talked to the press about the European manifesto."

"Desde México, declaro estar totalmente de acuerdo con el manifiesto. Hagámoslo internacional. Debemos dejar claro que nosotros somos los autores de las películas, especialmente cuando el guión es original (no adaptado). Acudiré a cualquier sitio que sea necesario para defender esta causa. Hoy he sido nominado para el mejor guión en los Globos de Oro, y he hablado a la prensa de este manifiesto auropeo."

Reenvía este mensaje a todos los guionistas, personas y entidades relacionadas con los audiovisuales que conozcas, para que su conocimiento se haga universal.

Para hacer efectivo tu apoyo, es necesario escribir un mail a la dirección: uppenbrink@drehbuchautoren.de

Debes poner este texto : I wish my signature to be added to the European Screenwriters Manifesto (Deseo añadir mi firma al Manifiesto de los guionistas europeos), y hacer constar tu nombre, país y profesión.
Manifiesto de los guionistas europeos

Las historias están en el corazón de la humanidad y son depositarias de nuestras diferentes herencias culturales. Dichas historias han sido narradas una y otra vez por los contadores de historias. Los guionistas son los contadores de historias de nuestro tiempo.

Se debería confiar en el talento de los escritores europeos, se debería alentar y apoyar. Las industrias europeas del cine necesitan encontrar caminos para atraer y mantener a sus guionistas en el cine y en su oficio.

Afirmamos que:

1. El guionista de una película es también uno de sus autores, un creador fundamental sobre quien, en primer lugar, se apoya cualquier trabajo audiovisual.
2. El uso indiscriminado del crédito de autoría es inadmisible.
3. Los derechos morales del guionista, especialmente el derecho a mantener la integridad de su trabajo y de protegerlo de cualquier distorsión o uso incorrecto, debiera ser inalienable y debiera ser respetado en la práctica.
4. El guionista debiera recibir un pago justo por cualquier forma de explotación de su trabajo.
5. Como autor, el guionista debiera tener derecho a involucrarse en el proceso de producción y promoción de la película y a ser compensado por dicho trabajo. Como autor, debiera ser nombrado consecuentemente en cualquier publicación, incluidos catálogos de festivales, revistas sobre TV, magacines y reseñas.

Hacemos un llamamiento a:

1. Gobiernos y entidades de financiación, para que apoyen a los guionistas empleando más energías y recursos, ya sea en forma de subvenciones, beneficios fiscales o planes de inversión en el desarrollo de películas y producciones de TV, y financiando a los guionistas directamente.
2. Expertos y críticos de cine, para que reconozcan la función que desempeñan los guionistas, y a universidades, academias y programas de formación, para que eduquen a las próximas generaciones de profesionales en los principios de trabajo en equipo propios de este medio y en el respeto al arte y al oficio de la escritura de guiones.
3. Festivales, filmotecas y resto de instituciones relacionadas con el cine, para que mencionen a los guionistas en sus programas, y para que programen ciclos dedicados a guionistas, de la misma forma que los programan para directores, actores y países.
4. Que las leyes, a nivel europeo y de cada país, deberían reconocer que el guionista de una película es uno de sus autores.
5. Que las leyes, a nivel europeo y de cada país, deberían garantizar que los guionistas puedan organizarse, negociar y contratar de forma colectiva, con objeto de fomentar y conservar las diferencias culturales de cada país, y deberían facilitar el libre movimiento de guionistas entre países y el ejercicio de dicha profesión en cualquier país.

Nos comprometemos a:

* Distribuir este manifiesto entre los miembros de la industria audiovisual y de la prensa en nuestros respectivos países.
* Hacer campaña para que se lleven a cabo los puntos recogidos en este manifiesto.
* Solicitar la inclusión, en las legislaciones de ámbito europeo y de cada país, de las modificaciones legales que hagan posible las demandas contenidas en este manifiesto.

Firmado: El Presidente y el Consejo de la Federación de Guionistas Europeos, en representación de 21 asociaciones y 9.000 guionistas europeos.

Christina Kallas (Presidenta)
Sveinbjörn Baldvinsson (Vicepresidente)
David Kavanagh
Willemiek Seligmann
Bernard Besserglik
Los Participantes en la Conferencia de Guionistas Europeos celebrada en Tesalónica (2006)

27/01/2007 10:14:34

viernes, 18 de septiembre de 2009

Cine Nacional

Espectáculos-Cine
El 60 por ciento de espectadores fue a ver cine nacional el fin de semana Buenos Aires, 15 septiembre (NA)

El 60 por ciento de los espectadores que concurrieron al cine entre el jueves y el domingo pasado fue a ver películas nacionales, con los filmes "El secreto de sus ojos" y "Las viudas de los jueves" al tope de las preferencias del público.

La cinta de Juan José Campanella, con Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella y Pablo Rago, superó ya a 12 de las películas argentinas más taquilleras del año desde 1984 hasta la fecha, según precisó hoy el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).

"El secreto de sus ojos" fue vista por casi 1,2 millones de espectadores hasta el momento, en tanto, la recién estrenada "Las viudas de los jueves", de Marcelo Piñeyro, obtuvo en su primer día una concurrencia de 18.640 personas y acumuló más de 120 mil durante el fin de semana.

lunes, 14 de septiembre de 2009

En el marco de capacitación sobre distintos temas que hacen a la producción cinematográfica para estudiantes de cine, se ha realizado una jornada sobre gestión de permisos en BASet y logistica del set, dirigido a estudiantes del Centro de Investigación y Experimentación en Video y Cine (CIEVYC) y de la Escuela de Realizacion y Experimentacion cinematografica (ENERC) .

El dictado de charlas se realiza en el edificio del Centro Metropolitano de Diseño (CMD), donde tiene su sede BASet. Los directores de instituciones educativas que encuentren provechoso que sus alumnos participen en estos cursos deben ponerse en contacto con BASet: 4126-2962 / 2979 o rriibaset@buenosaires.gov.ar.

viernes, 28 de agosto de 2009

Hacelo Corto


Concurso de Cortometrajes

El Ministerio de Educación del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires convoca a las escuelas públicas y privadas de todos los niveles y modalidades, tanto de esta Ciudad como del Gran Buenos Aires, como así también, a los niños/as y jóvenes a presentar sus trabajos audiovisuales en HACELO CORTO, Octavo Festival de Cortometrajes realizados por Niños y Jóvenes.

HACELO CORTO es organizado por el Programa “Medios en la Escuela” de la Dirección de Extensión Educativa y Recreativa, para promover el aprendizaje del lenguaje audiovisual por parte de los estudiantes. La exhibición de lo producido por niños/as y jóvenes, en salas cinematográficas, brinda una ocasión inmejorable para conocer sus intereses, sus problemáticas y sus sueños.

Los cortometrajes participarán en tres grandes categorías: documental, ficción y animación que a su vez estarán subdivididas según niveles educativos (Inicial y 1º ciclo Primario, 2º y 3º ciclo Primario, Media y Educación del Adulto y Adolescente, alumnos con déficit cognitivo y productores independientes – hasta 12 años y de 13 a 18 años).

En esta sexta edición volveremos a otorgar un Premio temático y, con el apoyo de UNICEF Argentina, un premio infantil/juvenil.

El material deberá ser entregado en DVD norma NTSC (sin menú de navegación, barras y contador regresivo –excluyente-), dejando 3 (tres) segundos de placa negra al principio.

Las realizaciones podrán estar acompañadas de un afiche que las publicite y que participará del concurso específico. El mismo será exhibido en el evento de apertura. A los efectos de identificar el corto en el catálogo, las instituciones participantes deberán adjuntar un fotograma de cada producción.

La organización de HACELO CORTO cuenta con el apoyo de instituciones como INCAA y UNICEF y las empresas: Cines Hoyts, Abasto de Buenos Aires, AVH, Discovery Channel, Grupo Vía, Puerto de Palos, Tea Imagen, Radiotea y el Museo de los niños del Abasto, quienes colaboran para hacer posible este Festival. El Festival se realizará en la salas del Cine Hoyts del Abasto Shopping los días 28 y 29 de noviembre con entrada libre y gratuita.

La inscripción se realizará en la sede del Programa “Medios en la Escuela” de la Dirección de Extensión Educativa y Recreativa, sita en Esmeralda 55 Piso 1º Oficina 3 de 9.30 a 16 horas, TE: 4339-1873, presentado la ficha de inscripción completa (en papel, por mail y en CD) según formato estipulado.

La inscripción cierra el lunes 9 de octubre de 2009.

Para descargar la ficha de inscripción del concurso, hacé click aqui para productores independientes, o click aqui para Instituciones educativas.

Para ver las bases y condiciones del concurso, hacé click aqui.

Comité Organizador

Esmeralda 55, 1° Piso, oficina 3
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Télefono / Fax: 4339-1873
hacelocorto@bue.edu.ar / contacto
http://programamedios2009.blogspot.com

jueves, 27 de agosto de 2009

Se estrena otro largometraje que asistimos.



EL DIRECTOR ESTRENA ESTE JUEVES SU QUINTO FILM


Marcos Carnevale y Anita, su nueva película
El autor de éxitos de televisión y cine puso a una actriz con síndrome de Down como protagonista de una historia centrada en el atentado a la AMIA.

Elenco. Luis Luque, Peto Menahem, el director Marcos Carnevale, la protagonista Alejandra Manzo y Leonor Manso. Norma Aleandro faltó. (foto: Eduardo Carrera)

Después de Almejas y mejillones, Elsa & Fred y Tocar el cielo, Marcos Carnevale, director de cine, director de contenidos de Pol-Ka y autor de éxitos de televisión (actualmente Valientes y Tratame bien), estrena el jueves en el país Anita, su quinta película. Una que, según él mismo explica, es diferente de las demás porque intenta “generar conciencia” en busca de una “sociedad inclusiva”.

Su apuesta no es menor: la película cuenta el vagabundeo por la ciudad de Anita, una mujer con síndrome de Down (Alejandra Manzo) que vive con su madre (Norma Aleandro) y se pierde en pleno atentado a la AMIA. A partir de ese momento, sin saber qué pasó, se cruza con una serie de personajes (Luis Luque y Leonor Manso) en los que ella, involuntariamente, influye. “Anita es un poco el símbolo de la incomprensión frente a este tipo de actos –explica–. Vas viendo que ella, con su discapacidad, no puede comprender determinadas respuestas, pero a lo largo de la película te das cuenta de que vos, sin la discapacidad, tampoco podés. Si yo te explico por qué explotó la bomba en la AMIA, no me van a a alcanzar las palabras para que lo entiendas, y mucho menos a alguien que perdió familiares ahí. ¿Qué les vas a explicar, que hay intereses económicos, políticos, religiosos? No alcanza, hay cosas que no tienen explicación”.

Punto clave en su carrera, Carnevale dice de Anita: “Las películas anteriores las filmé y en ésta me sentí director”. Y agrega: “Mi evolución como director tiene acá mi punto más alto. Ahora sí, éste es el marco en el que más me gusta dirigir. He hecho otras películas muy lindas, pero ésta en particular me hizo sentir un crecimiento profesional muy alto. Gracias a todo lo que hice antes pude llegar acá”.

–¿Cómo nació la idea de hacer una película sobre la AMIA protagonizada por una persona con discapacidad mental?

–Hace seis o siete años, me empezó a dar vueltas por la cabeza esta cosa loca de preguntarme –quizá muy Lennon, ingenuo de mi parte, pero real– cómo puede ser que el hombre esté matando al hombre. Porque por más que me expliquen que hay cosas económicas, religiosas, políticas, cualquiera de esas cosas son completamente incomprensibles a la hora de matar a un ser humano. Entonces, que haya guerras o un atentado como el de la AMIA, o de ETA o de IRA o las Torres Gemelas o lo que fuere, lo repudio con toda mi alma. Y aun cuando pueda ser un lugar común, me dije: ‘Bueno, una película así no se ha contado todavía, la voy a hacer’. Primero pensé en hacerla con una actriz profesional, pero después pensé que tenía que ser alguien con una patología, que además pudiera actuar, para que la actuación no fuera un elemento distractivo, como “haciendo de”, sino que, cuando uno viera la película, entrara directamente de la mano de Alejandra.

Sobre el trabajo de la flamante actriz, por su parte, director y actores coinciden en que ella “trabaja con una libertad que nosotros no tenemos, y las dos –su personaje y ella misma– se adaptan a cualquier situación de la mejor manera, sin prejuicios”.

LAS CLAVES DE CARNEVALE.

-Debutó como escritor y director de cine con Noche de ronda, su primer film, de 1997, protagonizado por Betiana Blum y Hugo Arana.

-Fue autor de libros de éxitos de la pantalla grande argentina, como Papá es un ídolo, de Juan José Jusid, así como de Los Pintín al rescate o Esa maldita costilla.

-En 2005, filmó Elsa & Fred, una historia de amor con China Zorrilla y Manuel Alexandre como protagonistas.

-En televisión, ha estado detrás de grandes sucesos como 099 Central, Soy gitano, 22, el Loco, Padre Coraje, Hombres de honor, Botines, Mujeres de nadie y, en estos días, Valientes, el programa más visto de este año.

-Anita es su quinta película.

miércoles, 26 de agosto de 2009

PROGRAMACION ARTE CINEMA.


PROGRAMACION ARTE CINEMA – DEL 27 DE AGOSTO AL 2 DE SEPTIEMBRE


Arte Cinema sigue ofreciendo al público la posibilidad de ver nuevamente

ANICETO en proyección cinematográfica

para disfrutar la obra como la soñó el gran realizador Leonardo Favio.



La sala 791cine sigue programando los estrenos exclusivos: My Winnipeg, el
fascinante documental creado y dirigido por Guy Maddin

y El sol del director japonés Alexander Sokurov.


Y continúa en cartel la película argentina "Imagen final" de Andrés Habegger.







SALA 1

Aniceto de Leonardo Favio

16.10 – 17.45 – 19.20 – 21.00 hs.

Trailer: www.anicetodefavio.com.ar



SALA 2

El sol de Alexander Sokurov

16.05 - 19.10 hs.

Trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=cmX1tRaOa6U



Imagen final de Andrés Habegger

17.30 – 21.10 hs.

Trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=cmX1tRaOa6U



SALA 3

My Winnipeg de Guy Maddin

16.00 – 18.05 – 19.40 – 21.20 hs.

Trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=aY9BtROpNQ4





Datos útiles de Arte Cinema:



Ubicación.

Salta 1620 (Entre Av. Juan de Garay y Pje. Ciudadela)

Tel: 011 - 4304.8302



Cómo llegar

Colectivos: 4, 9, 12, 28, 39, 45, 59, 60, 61, 62, 100, 102, 151, 168

Subte: Línea C – Estación Constitución

Tren: Línea Gral .Roca – Estación Constitución



Tarifas

Entrada General: $16 / De lunes a miércoles: $12 / Est. y Jub: $12 /
Estudiantes de cine $10





Estacionamiento Ubicado en la calle Santiago del Estero 1671, Hotel Irun, a
sólo una cuadra del Complejo. El costo es de $5 por función.



www.artecinema.com.ar

martes, 25 de agosto de 2009

Invitación.






Invitan



PRESENTACIÓN OFICIAL





ICIF-China (Shenzhen) International Cultural Industry Fair 2010

Feria Internacional de Industrias Culturales de China (Shenzhen) 2010



Lunes 31 de agosto de 2009, 14:30 hs (acreditación 14:00 hs)



Microcine Ministerio de Economía de la Nación

Hipólito Yrigoyen Nº250, Piso 5º – Ciudad Autónoma de Buenos Aires



La Cámara Argentina de Productores Artísticos y Culturales-CAPAC, la Confederación General Empresaria de la República Argentina-CGERA y la Embajada de la República Popular China en Argentina, invitan a la Conferencia de presentación de la Feria Internacional de Industrias Culturales de China (Shenzhen) 2010 que se llevará a cabo el lunes 31 de agosto, a las 14:30 hs (acreditación 14:00 hs) en el Microcine del Ministerio de Economía de la Nación, sito en Hipólito Yrigoyen Nº 250 Piso 5º, CABA.



La delegación del Comité Organizador brindará una Conferencia para presentar oficialmente este evento -que es el más importante de Asia en su tipo-, con la expectativa de tener la presencia de la Argentina y sus empresarios culturales en la sexta edición ICIF 2010 que se llevará a cabo en mayo próximo en el marco de los festejos de nuestro Bicentenario. Asimismo, en la presentación que moderará María Cristina Lionti de la Secretaría de Industria, Comercio y PyME, participarán como anfitriones, Horacio Roura, Subsecretario PyME; Zhang Rui – Consejera Cultural de la Embajada de la República Popular China, Marcelo Fernández, Presidente de CGERA; y Alex Lossada Segura –Asesor de CAPAC.



La Feria Internacional de Industrias Culturales de China que se realiza anualmente en la ciudad de Shenzhen, es uno de los eventos culturales de negocios más importantes de Asia y está auspiciada por el Ministerio de Cultura de China, el Ministerio de Comercio de China, la Administración de Radio, Televisión y Cinematografía de China, la Administración General de Prensa y Publicación de China, la Comisión de Promoción y Comercio Internacional de China, el Gobierno Provincial de Guangdong y el Gobierno Municipal de Shenzhen. En la quinta edición -ICIF 2009- que se llevó a cabo entre los días 15 y 18 de mayo pasado, participaron 1708 grupos, organizaciones y compañías provenientes de 56 países y regiones y de 28 provincias o regiones autónomas de China. El número de los visitantes sobrepasó 3,5 millones, entre ellos, 74,600 son extranjeros, y el volumen de negocios superó trece mil quinientos millones de dólares. La VI edición de la Feria Internacional de Industrias Culturales de China se celebrará en mayo del año que viene.



Esta Conferencia es la primera de las actividades que se encuadra dentro del Convenio Marco de Cooperación Empresario-Cultural que CAPAC y CGERA firmaron con la Embajada de la República Popular China en Argentina, el pasado martes 18 de agosto. En dicho acuerdo las partes reconocen la importancia de las industrias culturales y la naturaleza polifacética de los bienes y servicios culturales como actividades de valor cultural, económico y social; ponen de manifiesto su voluntad de vincularse a fin de cooperar en el desarrollo de propuestas tendientes a estimular el acceso a la información cultural, e impulsar espacios de encuentro mediante la organización de eventos y actividades que apuntarán a promover la labor y capacitación de los creadores y empresarios, con el objetivo de contribuir al aumento de intercambios de bienes y servicios culturales entre ambas naciones.



El acceso es libre y gratuito, pero los interesados en asistir deberán inscribirse previamente sólo hasta el sábado 29 de agosto a las 18:00 hs, dirigiéndose por mail a: eventos@excebiel.com, o bien telefónicamente al (+5411) 15 5749-7928 ó al 4126-2950 Interno 3020, dejando los siguientes datos completos (si falta alguno de ellos, la inscripción no se hará efectiva):

Apellido y nombre:
Tipo y número de documento:
Teléfono:
Mail:

SE AGRADECE SU DIFUSIÓN



Invitados:

· Horacio Roura, Subsecretario PyMe del Ministerio de Producción de la Nación.

· Zhang Rui Agregada Cultural de la Embajada de la República Popular China en Argentina.

· Marcelo Fernández Presidente de la Confederación General Empresaria de la República Argentina.

· Alex Lossada Segura Asesor de la Cámara Argentina de Productores Artísticos y Culturales.

· Wang Yongzhang, Secretario del Partido del Centro de Gestión de la Casa del Príncipe Gong, bajo la jurisdicción del Ministerio de Cultura.

· Zhong Yinteng, Vice Director de la Organización en China del Comité de la Feria Internacional de Industrias Culturales de China.

· Liu Ming, Gerente General del Grupo de Prensa de Shenzhen.

· Cao Yu, Vice Gerente General de la Compañía de Publicación y Distribución de Shenzhen.

· Ye Jianqiang, Director encargado de la Feria Internacional de la Industria Cultural de Shenzhen.

· Liu Wenbin, Vice Director de la Oficina Estatal de Supervisión y Administración de Publicidad y Asuntos Culturales, Departamento del Comité del Partido Municipal de Shenzhen.

· Feng Xia, Director en Jefe de la oficina en China (Shenzhen) del Comité Organizador de la Feria Internacional de Industrias Culturales.



Moderadora: María Cristina Lionti – Subsecretaría de Industria, Comercio y PyME


Acerca de CAPAC



La Cámara Argentina de Productores Artísticos y Culturales-CAPAC, es una asociación sin fines de lucro –asociada a CGERA- que nuclea a empresarios, productores y representantes artísticos y culturales de los distintos sectores de las industrias culturales (audiovisual, editorial, discográfico, espectáculos, videojuegos y nuevas tecnologías multimediales relacionadas, entre otros) con una serie de objetivos en común:

· Instalar la cultura nacional como elemento vital de nuestra identidad como Nación;

· Promover el reconocimiento y la jerarquización del quehacer artístico y cultural, interactuando en conjunto con funcionarios, empresarios y dirigentes para consolidar una verdadera industria creativa y cultural en nuestro país y con una fuerte proyección al exterior;

· Orientar las acciones de sus socios, como protagonistas activos y actualizados para dar respuesta efectiva a los cambios que la organización económica mundial presenta;

· Generar instrumentos de cooperación recíproca; instrumentar la implementación de mecanismos financieros y recursos genuinos alternativos del sector público y privado, destinados al desarrollo del sector;

· Instaurar una red de comunicación interactiva, que propicie la actualización profesional permanente.



Acerca de CGERA



La Confederación General Empresaria de la República Argentina-CGERA, es una organización gremial empresaria sin fines de lucro compuesta por numerosas cámaras, asociaciones, federaciones y empresas adheridas, que persiguen como misión “Defender la pequeña y mediana empresa, la activación de las economías regionales y la promoción de un desarrollo nacional armónico y equitativo, en consonancia con las exigencias del mundo moderno.”

De Luján a Constitución




ROLAND JOFFE FILMA EN BUENOS AIRES

De Luján a Constitución

El director de "La misión" está rodando la superproducción "There be Dragons", que narra la vida del fundador del Opus Dei. Charlie Cox, Wes Bentley y Olga Kurylenko son los protagonistas de la historia, que pasó por la histórica basílica y por la estación del ex Ferrocarril Roca.

LA PLAZA BELGRANO EN LUJAN RECREO MADRID EN PLENA GUERRA CIVIL.

FOTOS: EFE Y ANDRES D’ELIA COMO EN ATOCHA. EL FIN DE SEMANA, EXTRAS CARACTERIZADOS COMO MILICIANOS POBLARON LOS ANDENES.

OLGA KURYLENKO Y WES BENTLEY ESCUCHAN LAS INDICACIONES DE JOFFE.

En un imaginario tren que une Luján con Constitución podría haber viajado Roland Joffé. El realizador británico mudó el escenario de la localidad bonaerense hasta la estación porteña, en donde hasta ayer registró imágenes de la película "There be Dragons", centrada en la historia de Josemaría Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei, canonizado por el Papa Juan Pablo II.

Así como la Plaza Belgrano, de Luján, se convirtió en la Madrid durante la Guerra Civil Española, Constitución sorprendió a los pasajeros que durante el fin de semana llegaban en tren desde diferentes destinos. Banderas lilas, rojas y amarillas (representativas de la República), ondeaban sobre las cabezas de cientos de extras caracterizados como milicianos republicanos, que arribaban a los andenes a bordo de locomotoras de vapor.

Constitución se convirtió por unos días en la Atocha de la década del 30, de la misma forma en la que la plaza Belgrano, con la imponente Basílica de Luján como testigo, se pobló de bolsas de arena y consignas como "No pasarán" o "El fascismo es esclavitud".

E l br it á n ic o Cha rl ie C ox ("Stardust, el misterio de la estrella"), Wes Bentley ("Belleza americana") y la chica Bond, Ol ga Kurylenko son las cabezas de un elenco en el que también figuran Geraldine Chaplin, Derek Jacobi y Rodrigo Santoro.

Aunque no trascendió el presupuesto del film se supo que cuenta con el aporte de cien inversionistas, entre los que figura el propio Joffé, y que cuenta con 600 personas entre actores, extras y técnicos. El argentino Eugenio Zanetti (ganador de un Oscar por "Restauración") es el responsable del diseño de producción, y hasta hay un sacerdote de Opus Dei, John Wauck, que se ocupa de asesorar en las cuestiones que tienen que ver con lo religioso y la historia de "la Obra".

viernes, 21 de agosto de 2009

Encuentro con sector audiovisual.





















El MIÉRCOLES 12 de agosto de 2009 se realizó en nuestras intalaciones una reunión con entidades intermedias y productoras representantes del sector audiovisual, televisión, cine y publicidad.
El objetivo de la reunión fue informarles los avances en diferentes aspectos vinculados al sector, además de presentar las próximas acciones de aquí a fin de año.


LISTADO DE ASISTENTES DEL SECTOR:

1 CAPCP Daniel Ciancia

2 CAPCP Agustín Gutiérrez

3 CAPCP Rodrigo Caravajal

4 FAPCA Pablo Rovito

5 Asocación Argentina de Actores Carlos Groba

6 CAPIT Dr. ferrari

7 CAPIT Lic. Marina Cañardo

8 PIONEER Pía Suárez

9 POL-KA Víctor Tevah

10LOMO CINE Sergio Pra

11 LOMO CINE Leandro Antuña

DGINC+COMEX

1 Director General Enrique Avogadro

2 Coordinadora General Marisa Bircher

3 Coordinadora de BASET Lara Decuzzi

4 Coord. de BACF Ana Aizenberg

5 Coordinación Opción Audiovisual Eduardo Macchiarelli

6 Asesora Legal Inés García

San Sebastián.


Son iberoamericanos casi la mitad de los films que compiten por el Premio Nuevos Realizadores en San Sebastián

"Norteado"

Ocho de las 17 películas de 13 países que optarán al Premio Kutxa-Nuevos Directores en la 57 edición del Festival de San Sebastián son iberoamericanos. Catorce de esos títulos forman la sección Zabaltegi-Nuevos Directores, a los que hay que sumar tres películas de la Sección Oficial, entre ellas dos españolas, "La mujer sin piano" y "Yo, también". Se trata en todos los casos de primeras o segundas obras de sus respectivos directores, que compartirán con el distribuidor español de la cinta, un muy sustancioso galardón de 90.000 euros.

De los ocho cintas iberoamericanas con opción, cinco son de directores españoles, una argentina, otra uruguaya y otra argentina. Enfrente tendrán a films de Corea del Sur, China, Francia, Alemania, Turquía, Bélgica, Noruega, Gran Bretaña y EEUU.

Estos son las competidoras por parte iberoamericana:

- "77 DORONSHIP" (Argentina-Francia), de Pablo Agüero, con Francisco Moron, Anne Chrétien, Paula Giovanetti.

- "EL CUARTO DE LEO" (Uruguay), de Enrique Buchichio, con Martín Rodríguez, Cecilia Cosero, Gerardo Begerez, Mirella Pascual.

- "MÀSCARES" (España), de Elisabet Cabeza y Esteve Riambau, con José María Pou (documental).

- "NORTEADO"(México-España), de Rigoberto Perezcano, con Harold Torres, Sonia Couoh, Alicia Laguna, Luis Cárdenas.

- "ORI" (España-Georgia), de Miguel Angel Jiménez Colmenar, con Kathuna Shurgaia, Bega Gautarazde, Giorgi Goguazde, Tamazo Terunashvili.

- "ZORION PERFEKTUA" (España), de Jabi Elortegi, con Anne Igartiburu, Aia Kruse, Alberto Berzal, Elena Irureta.

- "LA MUJER SIN PIANO" (España), de Javier Rebollo, con Carmen Machi, Jan Budar, Pep Ricart, Nadia de Santiago.

- "YO, TAMBIÉN" (España), de Álvaro Pastor y Antonio Naharro, con Lola Dueñas, Pablo Pineda, Isabel García Lorca, Pedro Álvarez Osorio.

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Pelis argentinas.


"Aniceto" y "Cordero de Dios" obtienen los premios de guión en los Cóndor de los cronistas argentinos

El musical de Leonardo Favio "Aniceto" fue el triunfador en la gala anual de entrega de los Cóndor de Platas, premios instituidos hace pronto seis décadas por Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, al obtener nuevo galardones, entre ellos el de mejor película, director (Leonardo Favio), guión adaptado. En el capítulo interpretativo María Onetto fue designada mejor actriz por "La mujer sin cabeza", y entre los hombres hubo empate: comparten Cóndor Jorge Marrale ("Cordero de Dios") y Oscar Martínez ("El nido vacío").

Dirigida por Lucía Cedrón, "Cordero de Dios" fue la segunda cinta más citada. Aparte del galardón del mejor actor protagonista, le dieron los de la opera prima, guión original (de Cedrón, Santiago Giralt y Thomas Philippon Aginski) y actriz de reparto (Malena Solda).

A pesar de estar lejos de ser una cinta comercial (no logró ubicarse entre las 100 más vistas en el país en 2008), "Aniceto" no sólo gustó a los críticos y periodistas, sino a la propia industria, ya que también fue una de las principales ganadoras (siete estatuillas), el pasado diciembre en los Premios Sur de la flamante Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de la Argentina, aunque ésta declaró triunfadora en los rubros de mejor película, dirección y guión a "La mujer sin cabeza / La mujer rubia), la cual fue ignorada en los Cóndor con la única excepción de la estatuilla de Onetto.

Favio, cuyo film obtuvo también recompensas de los cronistas argentinos para Hernán Piquin (actor revelación) y por su fotografía, sonido, montaje, música y dirección de arte, se mostró muy feliz y dio las gracias "a todos los que apoyan a las artes y a la buena gente", y especialmente citó a "muchos grandes actores, muchos de los cuales debutaron en mis películas; mucha gente que amo, que quiero. Yo estoy seguro de que cuando llegue el momento que atisbo no tan lejano del horror con el que intentan cercarnos, van a ser parte de la vanguardia que nos defienda".

El realizador, actor, guionista y cantante mendocino -de 71 años y conocido por su inquebrantable fe peronista, llevaba desde 1993, cuando hizo "Gatica El Mono", sin dirigir una película de ficción, y se basó en una previa cinta suya de 1967, "El romance del Aniceto y la Francisca".

A la gala acudió la directora general del Instituto del Cine (INCAA), la cineasta Liliana Mazure, quien aprovechó para anunciar que el año que viene el estado dispondrá de un nuevo canal dentro del sistema satelital, de acceso gratuito, dedicado al cine argentino.

57 PREMIOS CONDOR

- Mejor película: "Aniceto".
- Mejor Director: Leonardo Favio ("Aniceto")
- Mejor guión original: "Cordero de Dios"
- Mejor guión documental: "4 de Julio, la masacre de San Patricio"
- Mejor actor: Jorge Marrale ("Cordero de Dios") y Oscar Martínez ("El nido vació")
- Mejor actriz: María Onetto ("La mujer sin cabeza")
- Mejor actor de reparto: Gabriel Goity ("Un novio para mi mujer")
- Mejor actriz de reparto: Malena Solda ("Cordero de Dios")
- Revelación masculina: Hernán Piquin ("Aniceto")
- Revelación femenina: Ana Celentano ("Las vidas posibles")
- Mejor opera prima: "Cordero de Dios" (Lucia Cedrón)
- Mejor fotografía: "Aniceto"
- Mejor sonido: "Aniceto"
- Mejor música: "Aniceto"
- Mejor montaje: "Aniceto"
- Mejor vestuario: "La cámara oscura"
- Mejor dirección de arte: "Aniceto"
- Mejor documental: "4 de Julio - La masacre de San Patricio" (Juan Pablo Young y Pablo Zubizarreta)
- Mejor videofilm: "Historias extraordinarias" (Mariano Llinás)
- Mejor película extranjera: "Persepolis" (Francia/USA - de Vincent Paronhaud y Marjama Satrapi)
- Mejor película iberoamericana: "Tropa de elite" (Brasil - de José Padilha)
- Mejor cortometraje: "El empleo" de Santiago Grosso, Patricio Plaza

FIlms iberoamericanos.


Dos films iberoamericanos escritos por sus realizadores, a Montreal

Un gran banquete de 240 films ofrece el Festival des Films du Monde, que se celebrará en Montreal (Canadá) del 27 de agosto al 7 de septiembre, de los cuales 20 competirán por los premios de su sección oficial, en la que participarán la española "Hoy no se fía, mañana sí", de Francisco Avizanda, y la argentina "Andrés no quiere dormir la siesta", de Daniel Bustamante, ambas operas primas escritas por los propios realizadores.

Sin embargo, existe también otro apartado competitivo reservado exclusivamente a operas primas, también con 20 títulos, entre ellos la producción ecuatoriana "Los canallas", de Ana Cristina Franco, Jorge Fegan y Diego Coral, todos ellos alumnos de la escuela de Camilo Luzuriaga, quien ha producido el film; "Caja negra", del mexicano Ariel Gordon, y "Ramírez", del español Albert Arizza.

Fuera de concurso participan las españolas "La buena nueva", de Helena Taberna, y "El esfuerzo y el anima. Béjart Ballet Lausanne", de Arantxa Aguirre; la mexicana "Arráncame la vida", de Roberto Sneider, y la peruana "Un cuerpo desnudo", de Francisco Lombardi.

Finalmente, la argentino-española "El frasco", de Alberto Lecchi; la argentina "La herencia", de Sergio Schmucler; la argentino-italiana "La muestra", de Lino Pujia; la colombiana-brasileña "Entre lençois", de Gustavo Nieto; la mexicano-argentina "Marea de arena", de Lito Montiel; la uruguayo-española "Mal día para pescar", de Alvaro Brechner; la venezolana "El enemigo", de Luis Alberto Lamata, y las españolas "Amores locos" de Beda Docampo; "Ander", de Roberto Castón; "Bullying", de Josecho San Mateo; "La casa de mi padre", de Gorka Merchán; "Un buen hombre", de Juan Martínez Moreno, y "Sólo quiero caminar", de Agustín Díaz Yanes, se proyectarán en el apartado informativo Miradas sobre los Cines del Mundo.

Aunque en los últimos años Montreal haya sido opacado por la importancia internacional de Toronto, mucho más "glamouroso" y trufado de estrenos mundiales, sigue siendo el decano de los festivales internacionales canadienses el único reconocido por la FIAPP como de "clase A" en Norteamérica.

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Campanella.


Campanella regresa al cine argentino por nuevos caminos con "El secreto de sus ojos"
Los tres protagonistas

Han pasado cinco años desde que Juan José Campanella realizara su última película, "Luna de Avellaneda", que cerraba una trilogía de complicidad, entre el sentimiento y el humor, con su coguionista Fernando Castets. Juntos habían hecho previamente "El mismo amor, la misma lluvia" y "El hijo de la novia", historias emotivas todas, bien tratadas por la crítica y mejor aún por el público. Pasado este lustro en el que el argentino se ha prodigado en la televisión, tanto en su país como en España y Estados Unidos, ha buscado renovarse, al menos parcialmente, porque mantiene su fidelidad a dos de sus actores fetiche, Ricardo Darín y Soledad Villamil. "El secreto de sus ojos" se estrena este jueves en la Argentina antes de pasar por Toronto y San Sebastián.

No está ya Castets, no es una comedia sentimental, aunque tenga elementos del género, sino cine negro con ciertas referencias a la época más oscuras de la historia argentina del último cuarto del siglo XX. "El secreto de sus ojos", que parte de una novela de Eduardo Sacheri, su nuevo cómplice en la escritura del guión, un apasionado cocktail de intrigas judiciales, sentimientos reprimidos, obesiones y un pasado que es difícil borrar.

Benjamín Chaparro (Ricardo Darín) acaba de jubilarse después de trabajar toda una vida como empleado en un Juzgado Penal. Para ocupar su tiempo libre decide escribir una novela, basada en una historia real de la que ha sido testigo y protagonista, la de un asesinato ocurrido en Buenos Aires en 1974, y de la investigación para hallar al culpable. Pero una vez abierta la puerta de ese pasado al propio Chaparro se le volverá imposible cerrarla. Primero, porque la turbulenta Argentina de entonces se cuela en la vida de los personajes, con su carga de violencia y de muerte. Y, sobre todo porque aunque Chaparro suponga que la historia que teje habla únicamente del pasado, su búsqueda ilumina de un modo descarnado su propia vida y su presente, y lo pone de frente con un dilema de amor que lo obsesiona desde hace demasiado tiempo.

Con Darín y Villamil, su pareja romántica de "El mismo amor, la misma lluvia" hace una década, están dos actores muy populares para el público nacional, Pablo Rago y Guillermo Francella, casi irreconocible física e interpretativamente en un personaje dramático totalmente nuevo en su carrera.

"Como lector -explicaba Campanella a Reporter- el género negro me gusta mucho, leo muchísimos policiales. Y en una película me gusta mezclar varios acordes. Esta novela tenía eso. Lo que me gustó de esta novela es que me permitía trabajar dentro de lo que llamamos género policial o cine negro pero con una cuota de humanismo y cotidianidad muy fuerte, con personajes muy empáticos. Me daba la sensación de que si yo estuviera en esa situación extraordinaria reaccionaría de la misma manera, me mandaría las mismas macanas o tendría los mismos miedos. Así que mezclar esas cosas es lo que me interesó. Por otro lado sentía que la cuestión de la cotidianidad argentina no tenía mucho que aportar en este caso. Pero cuando sienta algo distinto ocurrirá de nuevo. No digo que no voy a hacer más comedias. A mí es lo que más me gusta. Cuando la gente se ríe es mi sonido preferido".

El realizador de "Vientos de agua" y de episodios de series americanas tan conocidas como "Ley y orden", "House" o "30 Rock" es consciente de la expectación que ha despertado su cinta y del gancho que entre el público tiene su elenco, pero prefiere ser cauto en cuanto a los resultados comerciales: "Con mi segunda película ("Ni el tiro del final"), todos los que trabajábamos en ella pensamos que iba a ser una revolución en el cine negro y que me iba a consagrar como cineasta. Pero me catapultó y no a la fama. Por otro lado, con "El hijo de la novia" pensábamos que si se manejaba bien iba a andar en Buenos Aires pero no sabíamos qué iba a pasar en las provincias. Y después creo que fue el éxito internacional más grande de la historia del cine argentino. Así que yo trato de no tener expectativas. Siempre espero que la gente responda porque hacer cine es comunicarse, uno le cuenta una historia a la gente y el público se relaciona con ella, y además porque eso garantiza que la próxima película esté. Pero expectativas de un millón de personas, trato de no tenerlas. Lo que no quiere decir que no trabaje para conseguir eso".

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Cosas sobre estrenos.


Rodrigo García estrenará su "Mother and Child" en Toronto

La nueva película de Rodrigo García, el hijo del Nobel colombiano García Márquez, se estrenará mundialmente en una gala durante el próximo Festival Internacional de Cine de Toronto, del 10 al 19 de septiembre. Un estelar reparto, integrado por Annette Bening, Naomi Watts, Samuel L. Jackson, Jimmy Smits, Kerry Washington, Elpidia Carrillo, David Morse y Shareeka Epps, respalda el nuevo largo del muy televisivo cineasta, creador de la serie "En tratamiento".

El film, que no llegará hasta diciembre a las salas comerciales norteamericanas, forma parte de un nuevo paquete de lanzamientos sonados que brindará el certamen canadiense, considerado junto a Cannes como uno de los más importantes del mundo. En la nueva lista figuran también "The men who stare at goats", que George Clooney filmó en Puerto Rico, y la cinta del hispano-chileno Alejandro Amenabar "Agora", ya vista fuera de concurso en el último festival de la Costa Azul francesa. Otro español que ya se sabía tendría su "gala" en Toronto es Carlos Saura, con "Yo, Don Giovanni".

La cuarta película de García, un bogotano primero instalado en México y luego en Estados Unidos, donde ha desarrollado una amplia carrera como realizador de TV, especialmente en el canal HBO, gira en torno a tres mujeres: Una en la cincuentena, la hija que abandonó 35 años atrás y una tercera -afroamericana- que busca un bebé para adoptar.

El film, presupuestado en 7 millones de dólares, se filmó en Los Angeles, y está producido entre otros por el mexicano Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, a través de su compañía Cha cha cha, a partir de un guión largamente gestado por García.

El prestigio adquirido por el hijo del famoso escritor colombiano desde que llegó a Hollywood le ha permitido acceder a un importante número de estrellas desde que realizó su primer largometraje norteamericano, "Con tan solo mirarla / Cosas que diría con sólo mirarla", hace nueve años. Robin Wright, Holly Hunter, Glenn Close, Cameron Diaz, Calista Flockhart, o ahora Naomi Watts y Annette Bening, han trabajado a sus órdenes por mucho menos de lo que habitualmente cobran en sus interpretaciones para los grandes estudios.

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Entrevista a Lars von Trier.


Lars von Trier: "Me complazco a mí mismo con las imágenes que ruedo"

El escritor Knud Romer, que trabajó en "Los idiotas", de Lars von Trier, en 1998, charló con el realizador a principios de abril, cuando acababa de terminar su nueva película, "El anticristo". "Pareces un cura", me dice Lars von Trier cuando nos saludamos delante de la sala de proyección de Filmbyen, donde voy a ver su último trabajo, "El anticristo". La película se ha mantenido en el secreto más absoluto y hay tantas medidas de seguridad que tengo la impresión de ir a ver una película en la caja fuerte del Banco Nacional. "He venido a salvar tu alma inmortal", le contesto, riendo.

Noventa minutos después me levanto de la butaca profundamente conmovido. Camino de casa, el temor y la paranoia se apoderan de mí cuando un coche fúnebre me adelanta en la carretera.

La idea de entrevistar a Lars von Trier siempre me pone nervioso. Es un maestro de la ironía y del sarcasmo; es capaz de hacer cambiar de rumbo la conversación en cualquier momento y tocar los puntos más débiles del entrevistador. Hemos quedado en Filmbyen, pero me dicen que Lars von Trier se retrasará. En la puerta del despacho, escrita en rojo imitando sangre chorreando, la frase: "El caos reina". Una hora después me dicen que prefiere hacer la entrevista en su casa, a unos 20 kilómetros al norte. Para entonces, estoy tan nervioso que me da miedo salirme de la carretera. Cuando por fin encuentro la estrecha carretera que lleva a su casa, aparco tan mal que casi derribo una valla y me voy a una casa que no es la suya.

Pero Lars von Trier es la amabilidad personificada. Su esposa Bente ha preparado gofres y té de hierbas, dos cosas muy reconfortantes. Me anuncia que haremos la entrevista abajo, en el sótano. Lars von Trier solo lleva unos calcetines negros, calzoncillos negros anchos y una camiseta negra. No sé cómo va a reaccionar, sobre todo porque tengo la intención de preguntarle por qué, como muchos otros grandes cineastas, vuelve a hacer la misma película una y otra vez con variaciones cada vez más radicales. La paranoia se apodera de mí, estoy convencido de que pasará algo terrible.

Pero el hombre del sótano no es "El anticristo", sino el cineasta en su punto más simpático y abierto, un hombre capaz de vivir la vida con una profunda conciencia de la muerte, lo que le ha permitido crear la apocalíptica riqueza visual que hace de "El anticristo" una auténtica obra maestra. Una hora y media después, me pesa no ser un mejor entrevistador. Al salir, le abrazo para darle las gracias. Una vez en el coche, olvido mi nerviosismo, mis miedos, mi paranoia. Es más, y juro que es verdad, adelanto a un coche fúnebre camino de casa.

- Rodaste películas conceptuales en las que te "obstruiste" a ti mismo. Pero ahora ha vuelto Lars von Trier, el creador de imágenes. ¿Por qué?
Para mí todo son imágenes, incluso si son líneas de tiza en el suelo. Pero… (duda) me sentía deprimido, caí en un pozo sin fondo, y tenía dudas de que pudiera volver a hacer una película. Volví al material de mi juventud, cuando estaba muy metido en Strindberg, sobre todo en Strindberg como persona. Era un ser asombroso. Por eso intenté hacer una película, no sé muy bien cómo expresarlo, no había hablado de esto antes, una película en la que pudiese tirar la razón por la borda.

- "El caos reina".
Sí. (Ríe) Rodé una serie de imágenes que luego intenté unir. También me pareció interesante rodar una película con solo dos personajes.

- Secretos de un matrimonio.
Secretos de un matrimonio, pero de otra forma. Me gustó Secretos de un matrimonio en su época, me pareció enorme.

- Pero este matrimonio es más Strindberg que Bergman.
Sí, en Strindberg tienen más tendencia a empujarse escaleras abajo.

- Tu visión de la mujer en la película recuerda más a Strindberg que a Bergman.
Sí, y supongo que volverán a preguntarme acerca de mi visión de las mujeres. Siempre tuve una idea romántica de las batallas entre los sexos descritas por Strindberg. Se habla de la relación entre los dos sexos, pero no sé si hay una verdad inequívoca.

- Ahora haces películas de "género". Cuentas la misma historia, tu historia, con diferentes variaciones, desde diferentes ángulos, como otros muchos autores han hecho antes. ¿Qué relación tienes con los géneros? Rompiendo las olas es un melodrama; Bailar en la oscuridad, un musical; "El anticristo" es un thriller de suspense o una película de terror. ¿Describirías tu relación con el género como romántica o juguetona?
Los géneros son una inspiración. La historia es prácticamente la misma cada vez, ahora soy consciente de eso. En cuanto a los géneros, no creo que nunca me ciña realmente a uno. Creo que se debe añadir algo a todos. Por ejemplo, si fuera cocinero, esta película sería mi versión de un asado de cerdo clásico.

- Da la impresión de que metes la mano en un baúl de juguetes, sacas algo convencional y le das la vuelta.
Bueno, estudié Cinematografía en la Universidad, no lo olvides, y me gustaban bastante las películas de género. Sobre todo el cine negro, La jungla de asfalto.

- Una persona algo perezosa que ve tu cine disfruta con todos los géneros existentes.
Sí, y todos en una misma película. (Ríe) Pero no soy fiel a ningún género. Me gusta que las cosas no encajen del todo.

- Puede que algunos digan que te acercas, con crecientes ganas de transgredir, al género más tabú de todos, la pornografía.
Bueno, flirteé con ese género en Los idiotas. De algún modo, la sexualidad y el horror están muy relacionados. Pero ¿pornografía? No sé. ¿Es eso pornografía? Puede ser. Pero la pornografía siempre me ha molestado. Las películas porno son "utilitarias", y suelen ser muy crudas.

- Las películas de terror y las porno colocan al espectador en un estado de excitación. Para el género de terror, es el miedo. Para las porno, es el deseo. Pero ambos géneros tienen en común una excitación desenfrenada, y es difícil saber dónde acaba el sufrimiento pasivo y empieza el deseo activo.
Muy bien, no habría podido decirlo mejor.

- El deseo se experimenta de forma positiva, mientras que el miedo, de forma negativa. Tus películas tienen ese mismo efecto en el espectador. ¿Es algo que buscas conscientemente o se trata de una expresión emocional y personal?
Haces preguntas muy difíciles. Desde luego, es interesante considerarlo. Intento que mi cine afecte las emociones del público, pero lo consigo creando la imagen más expresiva para mí. Por eso digo, aunque sea un poco mentira, que no pienso en el público cuando hago cine. Sobre todo me complazco a mí mismo con las imágenes que ruedo. Sin embargo, no negaré que las creo con la intención de que tengan cierto efecto.

- Esta película me causó terror, un terror del que no consigo desprenderme. Me persigue. Si primero tuviera que crear imágenes así en mi mente y luego enfrentarme a sus expresiones emocionales, creo que tendría una crisis nerviosa.
El cine es una pálida imagen de la realidad. Si lloras en una sala de cine, es una pálida imitación de una emoción similar que tuviste en la vida real. En este sentido, el cine es un medio de segunda porque siempre se nutre de emociones que pide prestadas a la vida real. Si alguien tiene miedo viendo una película, es porque tiene algún terror que puede sacar y usar viéndola. Pero el cine aporta otras cosas, además de despertar emociones. Por ejemplo, "El grito", de Edvard Munch. Mi hijo acaba de hacer una copia de este cuadro. "El grito" es la ingeniosa expresión de una emoción, pero nadie sale corriendo aullando del museo.

- ¿Tus películas son "gritos"?
"El anticristo" es la que más se aproxima a un grito. Llegó en un momento de mi vida en que me sentía muy mal. La inspiración se encuentra en los miedos de uno, las emociones. Nacen allí, pero se convierten en otra cosa. No existe la telepatía entre el realizador y el espectador para que pueda darle la clave que le abra la puerta a mi estado emocional. No funciona así. La razón por la que me interesa el cine de terror, y tampoco estoy seguro de que esta película pertenezca a este género, es porque me permite hacer cosas muy diferentes.

- Sinceramente, es un alivio para mí ver que has vuelto a un universo cien por cien romántico y simbólico con reminiscencias católicas, bueno, con todo. Casi diría que es prerromántico, gótico en muchos aspectos, al estilo del Conde Drácula.
Sí, es verdad. No puedo analizarlo, pero visualmente estamos en el género romántico.

- Antes has dicho que una película no refleja la vida. Pero una película de terror es una experiencia pasiva y paranoica de la realidad, de una megalomanía en la que todo gira alrededor de ti, y requiere un espectador pasivo. Es como el miedo a la oscuridad: un estado pasivo y paranoico que encontramos una y otra vez en tu cine, donde el protagonista está paralizado, condenado a vivir en una cama, enterrado vivo.
Sí, no olvides que leo a Edgar Allan. También fue una figura muy romántica.

- Me parece maravilloso que tus películas expresen el miedo a la oscuridad cuando están hechas para verse en una sala a oscuras donde el espectador es totalmente vulnerable.
Una vez pensé en hacer una obra de teatro. Se me ocurrió que se puede pasar mucho más miedo en un teatro que en una sala de cine. Estudié la posibilidad de hacer una versión teatral de El exorcista. Siempre me he sentido incómodo en un cine, pero me siento aún peor en un teatro porque es en directo. Ir a ver una obra de teatro me horroriza. Y ya que hablamos del público, me parece que solo se comunica una infinitésima parte. Pero me siento muy feliz con esta película y las imágenes que contiene. Surgieron a partir de una inspiración real para mí. En lo que a mí respecta, ha sido un proyecto honrado. Creo que me pasó lo mismo con Los idiotas y otras películas mías, pero estas imágenes surgen de momentos muy anteriores de mi vida.

- Parece que funcionas mucho con la "escena primaria". El niño que descubre y no entiende la sexualidad de sus padres, el gran misterio. El niño no entiende qué pasa, pero siente que están transportados por el deseo y el miedo. Jugando a ser Freud, yo diría que esta es la madre de todas las escenas primarias, el miedo que acaba con todos los miedos.
Te escucho…

- Vale, no es una buena pregunta. En cierto modo, la película es terapéutica. Sin embargo, el psicólogo en la película no parece muy profesional. ¿Me equivoco en pensar que casi es un sádico?
Tengo un poco de experiencia con la psicología cognitiva, que suele curar el miedo a caerse por un barranco tirando al paciente por el barranco, y adiós miedo. Al parecer, es una terapia muy exitosa. Claro que depende mucho de la altura del barranco. En realidad tienen éxito con las pequeñas pendientes. Ya sabes que me gusta meterme con la gente y hacer bromas. Mis protagonistas masculinos suelen ser unos idiotas que no entienden una mierda. En "El anticristo" también. Y claro, todo se jode. En cuanto a si el miedo es una cosa y la realidad otra, bueno, es discutible. ¿Puede el miedo cambiar el mundo? Creo que sí, y de hecho, lo hace.

- Los personajes en esta película están paralizados. Atrapados en una cabaña, tienen pocas posibilidades de intervenir en la realidad y cambiarla. Solo disponen de una llave inglesa y unos cuantos conjuros para luchar contra una realidad aterradora. ¿Cómo entró el catolicismo en la historia? En las viejas películas de terror siempre había crucifijos y ajo. Esta película parece tener un fuerte bagaje católico.
Ya, pero no puedo contestarte porque soy un pésimo católico. No soy nada religioso. Cada día soy más ateo.

- Pero el catolicismo es la religión favorita de los no creyentes por sus numerosas expresiones, rituales, ornamentos, etcétera, y esto, por cierto, nos lleva al baúl de juguetes que mencioné antes. El catolicismo también tiene un gran baúl lleno de expresiones.
Sí, pueden ser fascinantes y muy atractivas, al menos para mí. Es un baúl mucho más libre. El protestantismo siempre fue la bestia negra. Pero la religión en general es una mierda. Eso sí puedo asegurarlo.

- Todo este sistema de expresión está en "Rompiendo las olas" y en "El anticristo".
"El anticristo", de Nietzsche, es mi libro de cabecera desde que tengo 12 años. Es su gran batalla con el cristianismo.

- Me ha sorprendido que antes hablaras de hacer una adaptación teatral de El exorcista, porque más católico que un exorcismo, imposible. ¿Exorcizas a tus propios demonios, a demonios de verdad? ¿No es el psicoanálisis una forma de exorcismo?
Sí, pero estos demonios son amigos míos. Quizá sea la ventaja de hacer películas: los demonios, que pueden causar mucho sufrimiento cuando uno se los encuentra, tienen otro papel. Al ponerlos en una película, se convierten en amigos, en compañeros de juego, en cómplices. Es posible que "El grito" hiciera sentirse bien a Edvard Munch. Munch vino a Dinamarca para que le tratara un tal Dr. Jacobsen, que se ocupaba también de Strindberg. La terapia cambió a Munch a peor. Me parece que era mucho más interesante antes. Se puede ir demasiado lejos, pero al menos es interesante. Cuando la locura retrocede, la calidad del trabajo se resiente, eso dicen. Puede ser…

- ¿Vale la pena pagar ese precio?
Nunca vale la pena. No quiero parecer repetitivo, pero lo he pasado fatal.

- Permíteme que vuelva a la paranoia. Lo contrario de sentirse perseguido y aterrorizado es estar por encima y controlarlo todo. En vez de sentirte perseguido por tus miedos, te colocas en una posición dominante y controlas a los demás, ¿por eso estás tranquilo y satisfecho cuando ruedas?
Normalmente sí, pero no fue así esta vez. No me da miedo hacer películas, declarar mis intenciones y que me juzguen. Sin embargo, esta vez me daba miedo estar en el plató. Montar una cosa grande como esta y ser el centro implica una cierta claustrofobia, y en esta película fui un centro considerablemente más pobre que en las anteriores. Me daba cuenta de que me faltaba alegría. Ahora, con la película mezclada, me siento muy alegre. Ha sido muy agradable. Pero no hubo ningún éxtasis. En otras películas mías, sentía que estaba en un juego donde el director dictaba las reglas.

- ¿Puede ser que con mucho más en juego hayas conseguido una obra maestra? La fuerza y la transgresión de las imágenes de la película son como un rayo.
Hay una diferencia porque volví a un material de juventud con mucha sustancia. Había cosas que incluso intenté eliminar porque me parecieron demasiado incómodas. Pero estoy en una fase en la que no me siento muy feliz.

- ¿Tiene algo que ver con envejecer?
Tiene mucho que ver.

- ¿Qué edad tienes?
Voy a cumplir 53 años, joder.

- Me gustaría hablar de los actores. ¿Cómo fue trabajar con ellos? Hay que tener en cuenta que les pediste mucho.
Ya había trabajado antes con Willem, en Manderlay. Es un hombre muy agradable. Me preguntó si tenía algo para él y le dije que sí, pero que mi mujer decía que no tendría el valor de hacerlo. Creo que se picó. Pero es obvio que no le importa en absoluto mostrar su cuerpo y me parece que hace muy bien. Hablamos con unas cuantas actrices, pero ninguna se atrevía. Charlotte no lo dudó ni un instante después de leer el guión. Y eso es lo mejor, dos actores que están realmente interesados en hacer la película. Tenían que estarlo porque les pedí mucho. Fueron asombrosos. Nunca he visto a nadie trabajar con la intensidad de Charlotte. Su guión estaba lleno de anotaciones que no quería enseñar a nadie. Trabaja muy duro.

- ¿Crees que las atrocidades que se ven en la película actuarán como una barrera para que no vayan a verla?
No puedo imaginar que pase eso. Quiero que vayan a ver la película, claro. La carrera de un realizador es como una serie de preguntas dirigidas a un grupo de personas. Si me acompañan siempre, son "mi gente". Pero, sobre todo, quiero que la película encuentre un público.

- A eso llamo yo fetichismo, casi quieres que te rindan culto. También eres un fetichista de la imagen.
¡Ajá!

- Por ejemplo, usaste una cámara capaz de rodar a velocidad muy lenta. En vez de acelerar la imagen para aumentar la tensión, vas en dirección contraria: el sufrimiento estático, la paranoia estática subrayada por imágenes rodadas a cámara muy lenta, casi parecen fotos.
Hace tiempo pensé en rodar una escena muy larga solo con música de ópera. Abrí el viejo baúl y ahí estaba la cámara lenta. Es relativamente simple de hacer y tiene una belleza muy particular. En el fondo, no me gusta usar viejas técnicas, pero en este caso, me lo permití porque es una especie de película de "emergencia", era mi salvación. Debía hacer algo o me quedaba en la cama, contemplando la pared. Muchas imágenes vienen de viajes imaginarios que he realizado. Aprendí técnicas de chamanismo y encontré muchas de esas imágenes en mis viajes. Por ejemplo, el ruido de un tambor puede provocar un trance, llevarte a un mundo paralelo. Es muy interesante y se pasa muy bien. Nunca he tomado ácido, pero debe ser algo parecido.

- Es curioso, siempre acabamos diciendo lo mismo de maneras diferentes. Tus películas hablan de estados pasivos con preciosas imágenes estáticas, de la paranoia pasiva, del miedo y el voyeurismo, todo para satisfacer un deseo sadomasoquista.
(Ríe) Sí, las etiquetas siempre ayudan.

- No, no te burles. Una buena dosis de inclinaciones perversas es parte de cualquier vida saludable y natural.
Sí, más nos vale agarrarnos a eso, si no, lo tenemos fatal. Mis perversiones, tal como las reflejo en la película, no son novedosas, solo lo es la forma en que las muestro. Y como parte del material remonta a mi juventud, puede que sea poco razonable, estático. Era necesario llegar hasta el final de las emociones y de los miedos. En cierto modo, es una película más infantil que las anteriores.

- Algunos quizá la describan como investigación sexual infantil.
Claro, ¡eso es! Has dado en el clavo.

- Una vez, Nicole Kidman te preguntó: "¿Por qué tratas tan mal a las mujeres?" Se sabe que Strindberg era un misógino. Sé que no odias a las mujeres, pero ¿no te preocupa que te acusen de misógino? La sexualidad femenina perversa. Como la serpiente del Jardín del Edén, debe ser castigada. ¿O solo es un juego romántico?
Acabo de ver un documental sobre la caza de brujas. Dirán lo que quieran, pero es una historia cojonuda. Un material fenomenal. No creo en las brujas. No creo que las mujeres ni su sexualidad sean perversas, pero dan miedo. Es importante liberarse de ataduras cuando haces una película. ¿A quién le importa lo que pienso? Algunas imágenes y algunos conceptos son interesantes cuando se mezclan. Muestran trozos del alma humana, eso es lo interesante. También me autoprovoco. Mi madre era una acérrima defensora de la liberación de la mujer. Estoy muy abierto a la igualdad de géneros, pero no creo que llegue a ser una realidad. Los sexos son demasiado diferentes, y menos mal. No creo que las mujeres deban ser sojuzgadas, y menos aún con violencia. Estoy totalmente en contra. La caza de brujas era algo horrible, pero la imagen de la bruja tiene cosas fascinantes. En esta película, como dejé que fluyera hacia mí en vez de pensarla yo mismo, lo que he plasmado en el negativo tiende a ser algo exagerado. Es como si colgara una tira de papel atrapamoscas: los pensamientos y las imágenes se quedan pegados a la película, pero decir que soy un misógino es una equivocación.

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